Peregrinaje

Siempre llegando
(como buscando,
como pidiendo)

el trayecto es cambio de piel:
sólo en movimiento
se desprende la desgarrada memoria

la libertad es renovada epidermis que
protege y embellece al peregrino.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Junio de 2026

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Ante un hecho histórico, cuando es vivido por varias personas, este se percibe de manera poliédrica. Es decir, puede ser captado desde distintos ángulos de vista, dependiendo de la implicación de los afectados. Estos agentes implicados después se convierten en fuentes históricas, de las cuales se desprenden datos. Con el tiempo estos datos sirven para “re-construir” la historia.

En toda esta cadena que va desde la génesis del hecho histórico hasta su re-construcción pasado el tiempo, muchas veces, si no es que siempre, se van produciendo modificaciones que nos alejan de la “verdad” de lo acontecido.

Recordemos el cuento aquel que habla de cinco personas ciegas, las cuales, a manera de experimento, son acercadas a palpar un elefante. Cada una toca una parte del elefante. Después son invitadas a hablar sobre qué es un elefante. Imaginemos la variedad de respuestas que dan conforme a la parte que les tocó apreciar. La experiencia del que tocó una pata habrá sido muy distinta del que tocó la oreja o la trompa… Cada uno tiene una percepción del elefante conforme a lo que sus sentidos le han dicho de aquella parte a la cual tuvo acceso.

Ante un hecho, de la naturaleza que sea, cuando somos varios los testigos o actores de tal acontecimiento, cada uno podemos ofrecer una versión muy diferente. Los filtros con los que lo percibamos pueden ir desde nuestra edad, cultura, aptitudes físicas, manera de pensar, posición física desde donde lo percibamos, con un largo etcétera de condicionantes.

Ante una “Historia” se desarrollan muchas historias, tantas como personas sean sus protagonistas o historiadores. E, incluso en ocasiones, con puntos de vista tan diferentes que podría pensarse que no han vivido el mismo acontecimiento.

Esta reflexión me la ha despertado la lectura del libro De América a Europa. Cuando los indígenas descubrieron el Viejo Mundo (1493-1892) (Fondo de Cultura Económica: Ciudad de México, 2017). Su autor, Éric Taladoire, se da la tarea de contar quiénes fueron esos amerindios que llegaron hasta Europa a partir de la primera expedición de Colón a las “Indias”. Numerosas travesías a lo largo de cuatro siglos transportaron habitantes nativos del Nuevo Mundo en calidad de caciques y nobles indígenas, testimonios del mundo encontrado, curiosidades e intérpretes, familias mixtas, esclavos y sirvientes…

Muchas y muchos murieron en las travesías, otros no duraban más de un año en el Viejo Continente. Podemos imaginarnos del terror de encontrarse en un mundo extraño: enfermedades nuevas, otros climas y alimentos, una lógica de vida diferente. Todo esto, sin duda, producía una baja de defensas haciéndoles proclives a enfermarse de cualquier cosa y morir. Morir de tristeza, ¿por qué no?

Cada una y cada uno, si se les concediera la palabra más de cinco siglos después, nos “hablaría de la feria, según le fue en ella”. ¡Cuántas historias alimentan la historia! Escuchar a todos los protagonistas nos da una versión más completa, más compleja y también más humilde. Cuando se habla de la “historia oficial” de algo, se tiende a excluir todo aquello que haga perder la coherencia e intereses de ese discurso oficial.

La historia pertenece a todas y todos. Por lo mismo, escucharla y conocerla implica escucharnos y conocernos.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Psicólogo social
Querétaro (México)
Mayo de 2026

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Ajardinar es una acción que requiere de la intervención del ser humano sobre la naturaleza. Los jardines suelen ser creaciones humanas que toman elementos naturales y los ordenan de una determinada manera, emiten un mensaje.

El hábitat humano, las casas, los pueblos, las ciudades, son una respuesta de la vulnerabilidad de nuestra especie. Construimos una casa para guarecernos del frío, del calor, para crear intimidad, para sentirnos seguros ante otros seres de nuestra especie y de otras especies. Estos hábitats, de los cuales se desprenden relaciones interpersonales que pueden desembocar en distanciamiento de la naturaleza, relaciones de poder y desigualdad, necesitan ser ajardinados, es decir, repoblados de naturaleza para impedir que la vulnerabilidad natural se convierta en una vulnerabilidad instrumentalizada.

En este sentido, ajardinar la sociedad tiene que ver con propiciar condiciones de reconocimiento a la diversidad como un valor que aporta sinergia y nutrientes al crecimiento colectivo.

Para llegar a la consciencia de unicidad propia y diversidad necesaria y reconocer que nacemos en la vulnerabilidad, el silencio es un medio propicio. Silencio no como mutismo o inactividad, sino como apertura y escucha desde todo el ser. Silencio como actitud de permeabilidad con la realidad de la cual formo parte.

El silencio, junto con la soledad, nos ayudan a descalzarnos, apoyando nuestros pies sobre la tierra y palpando la conexión que existe con el planeta. Se trata de un descalzarse que puede ser físico, pero sobretodo, se trata de un descalzarse ontológico o existencial. El calzado nos separa de la realidad, impidiéndonos saber cómo es el terreno donde estamos, su textura, su temperatura. De manera simbólica, cuando nos calzamos, nos aislamos de las demás personas, de lo que sucede a nuestro alrededor o, incluso, de nosotros mismos; como decía Panikkar, nos perjudicamos. Al descalzarnos, entramos en contacto, palpamos.

El calzado también nos hace estar por encima, como si nos situáramos un peldaño más arriba de lo que nos rodea. Es una especie de soberbia. Soy más alto de lo que en realidad soy, me autoengaño. Cuando nos descalzamos, nos situamos al mismo nivel de la realidad, de las personas con las que convivo, de los demás seres del planeta. Puedo adquirir consciencia de hasta dónde llego, cuáles son mis límites.

También es cierto que el calzado nos protege de esos molestos golpes en los dedos de los pies cuando chocan con las cosas. Pero esto nos hace ir por la vida sin cuidado hacia lo que nos rodea y con la posibilidad de pisar a los demás. Cuando me descalzo voy con tiento, pues me puedo hacer daño y esto me ayuda a ser consciente de que puedo hacer daño a otros. Mi vulnerabilidad también es la vulnerabilidad de los demás.

Estar en silencio y soledad me ayudan a descalzarme, a ser yo mismo y gozar de mi condición exacta. Conforme voy entrando en la dinámica del silencio, en su ritmo vital, descubro mi propio pulso y el de la Naturaleza, porque soy Naturaleza. Desde esta consonancia puedo ir alcanzando mayores cotas de armonía con mi propia realidad, con mi percepción restringida de la Vida, pero que al fin y al cabo es la mía.

Hacer silencio en soledad no es callar y aislarse. Es conjugar de manera consciente el verbo ser y estar: ser, estando en el presente, y estar, siendo donde estoy. Aceptación pura, a veces dolorosa, pero curativa.

Javier BUSTAMANTE ENRÍQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Abril de 2026

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Huellas

Cuando hablamos de
«la huella del hombre»,
siempre olvidamos la tierra
en la que se plasma.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Marzo de 2026

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Decir existencia

No deja de brotar la voz,
aunque la boca cerrada, aunque
el corazón contrito

porque el cuerpo
también clama, también
canta

desde ese lugar que
es, tan adentro, que se accede
desde afuera

por eso el aire emite
ondas sonoras alrededor
del ser conmovido de existencia

que abre el corazón
para decir.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Noviembre de 2025

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El enigmático mural del refectorio de Sant Jeroni de la Murtra

Introducción

Escuché en una ocasión decir al historiador del arte Jaume Aymar i Ragolta que la diferencia entre un misterio y un enigma es que el misterio es algo indescifrable, inaccesible, que no se puede resolver desde la lógica humana. En cambio, el enigma es un desafío que esconde en sí la solución.

Yo propongo el mural del refectorio de Sant Jeroni de la Murtra como un enigma, con el deseo esperanzado de que algún día alcancemos a descifrar los mensajes que desde hace quinientos años está comunicando y que nuestros ojos del siglo XXI aún no alcanzan a leer.

El antiguo monasterio de la Murtra fue creado a principios del siglo XV por la orden jerónima, gracias al mecenazgo del mercader barcelonés Bertran Nicolau. En 1416, una pequeña comunidad de frailes se asentó en la antigua casa de Ça Murtra, en el término de Badalona, muy cerca de Barcelona.

Sabemos que la monarquía apadrinó desde su nacimiento la orden jerónima y que usaban sus monasterios como hostales reales o lugares de retiro y consejo durante sus viajes. La Murtra no fue la excepción y el primer rey que visitó este cenobio fue Juan II de Aragón. En aquel momento la Murtra estaba en plena transformación de casa rural a monasterio. Juan II, como mecenas de la orden, prometió la financiación del refectorio, es decir, el comedor de los monjes. El refectorio no acabó de pagarse en vida de Juan II y fue su hijo, Fernando de Aragón, el rey católico, quien terminara de saldar la promesa de su padre.

La decoración mural gótica que podemos apreciar en buena parte, prevaleció hasta el siglo XVII. A la entrada en escena del estilo barroco, el monasterio fue puesto al día, estéticamente hablando. Se abarrocó la decoración de esta sala, cubriendo la pintura gótica, con un fondo blanco y, sobre éste, guirnaldas vegetales de color amarillo, haciendo alusión al dorado tan de moda en aquel momento. Entre la época gótica y la barroca se elaboró la pintura mural de la cabecera. Es decir, la galería de personajes que podemos apreciar hoy y que formaba parte de una escena mayor.

Llegado el siglo XIX, con la desamortización de Mendizábal, los monjes tuvieron que dejar la Murtra. En ese momento apareció un brote de fiebre amarilla en Barcelona y lugares como este monasterio sirvieron como hospitales de campaña. Al terminar la epidemia, el Ayuntamiento ordenó que todos los espacios que habían servido como hospital fuesen blanqueados con cal por motivos higiénicos. Así fue como desapareció la decoración mural del refectorio.

A comienzos de los años noventa del siglo pasado, se valoró la restauración de la pintura mural del refectorio. Se encargó el proyecto a la restauradora Reyes Jiménez de Guernica y este fue financiado gracias a un programa de subvenciones con motivo del V Centenario del Descubrimiento de América.

La restauración consistió en ir retirando las capas de cal que cubrían la pintura mural de las bóvedas y muros. Muchos metros cuadrados. La sorpresa fue el buen estado en que se encontraban. Del mural de la cabecera sólo apareció la parte alta que retrata una galería de personajes asociados a la corte de los emperadores Carlos V e Isabel de Portugal. Según las crónicas de la Murtra, en este muro se encontraba plasmada una Última Cena que, posiblemente, se disponía por debajo de dicha galería de personajes. A manera del estilo veneciano, como Las bodas de Caná del Veronés.

Alrededor de esta obra se levantan muchos interrogantes: ¿cuándo se pintó exactamente la parte del mural que se conserva, es decir la galería de personajes? ¿Quién la pintó?  El conjunto de la galería con la Cena, ¿era un todo o fueron pintadas en dos etapas por manos diferentes? ¿La elección de estos personajes y su composición fue un encargo de la comunidad de la Murtra o la iniciativa provino de fuera? ¿Por qué elegir la Murtra para esta escena tan intrigante?

La crónica murtrana no hace ninguna referencia a la galería del mural del refectorio, lo cual causa mucha curiosidad, sobre todo si pensamos en que sí habla de la Última Cena sin hacer mención al conjunto del mural.

El encargo

Una Última Cena, como temática religiosa, es un encargo relativamente fácil de resolver en el sentido de que es una escena que se ha pintado mucho. Pensemos tan sólo en la famosa La última cena de Leonardo da Vinci. En el caso de la Murtra, lo que realmente intriga es la escena superior, la galería de personajes que ha llegado hasta nuestros días. Un mural en el que figuran los monarcas Carlos I e Isabel de Portugal, acompañados de otras celebridades del momento, debía ser un encargo realmente delicado. Tenemos aquí los máximos representantes del poder político de la cristiandad, acompañados por personajes de la corte, del poder militar marítimo y del orden espiritual.

Una de las grandes interrogantes es quién encargó este mural, siempre hay un poder político detrás de cada encargo. Aunque se trate de un insignificante retrato o el retablo de una capilla lateral, hay una intención de emitir un mensaje a través de lo que ahí se representa. De prolongar la vida en el recuerdo de quien vea el retrato o de ganarse el más allá mandando hacer un retablo o pintura religiosa.

El mural que nos ocupa, ¿sería iniciativa de algún prior cultivado que querría realzar la figura del monasterio a través de una representación así? ¿O una manera de agradecer la comunidad de la Murtra a los monarcas las tantas mercedes que hacían al monasterio? ¿Sería, acaso, un encargo de Carlos V? ¿Un regalo a los monarcas o a la comunidad por parte de alguno de los otros personajes representados o de alguien que no figura en la escena, pero era afín a la ideología que representa?

Un mural así, me refiero a la galería de personajes que nos ha llegado, no es tan sencillo de confeccionar como una Última Cena. Se trata de una composición inédita y única. Hasta el momento no hemos encontrado ninguna que se le asemeje para poder establecer comparaciones o suponer que el autor o autores se hubieran podido inspirar.

Seguramente ha habido algún o algunos autores intelectuales de esta obra que han decidido “a quién invitar” a subir a la galería para presenciar, desde lo alto, la Cena Pascual. Incluso, que han decidido en qué orden colocarlos, como si se pusiera en práctica un protocolo oficial. Este presunto autor o autores también han decidido qué juegos de miradas marcaría el ritmo del banquete, e incluso el lenguaje corporal de cada uno. Hay, en definitiva, una puesta en escena que nuestras retinas del siglo XXI no logran descifrar. Esto nos convoca a hacer el salto histórico y simbólico cinco siglos atrás e intentar leer qué está sucediendo en esta escena.

Análisis del mural de la Murtra

No cabe duda que el mural que nos compete es un retrato colectivo. Este estilo es un subgénero del retrato pictórico que se caracteriza por representar varias personas dentro del mismo lienzo o escena. Entremos en su composición y en la dinámica de la relación que se establece entre los personajes. Antes de describirlo, podemos apuntar que la paleta de colores empleada es muy ajustada: destacan los azules, blancos, grises, marrones, rojos, naranjas y amarillos. Los colores de las vestimentas se van alternando para crear un equilibrio de cálidos y fríos.

A nivel arquitectónico, los personajes se encuentran dentro de una galería abierta hacia el frente y hacia atrás. Lo comprobamos porque podemos ver el azul de cielo a las espaldas de los personajes, así como las columnas coronadas por capiteles de faunos que también figuran de frente, las que nos miran, y de espaldas, las del otro lado de la galería.

La galería cuenta con una balaustrada sobre la que se posan y asoman los personajes. La balaustrada les llega a medio cuerpo y de la balaustrada hacia arriba se levantan columnas que terminan en la parte alta en capiteles con rostros de fauno. En total son cinco columnas hacia el frente y cinco columnas del otro lado de los personajes. El cinco era un símbolo estrechamente vinculado a los pitagóricos; en relación con diferentes atributos, elementos u objetos físicos, se asoció con, la vida, el poder y la invulnerabilidad. En el claustro de la Murtra, también son cinco las claves de bóveda que pagaran los Reyes Católicos.

Al haber cinco columnas se generan seis espacios.

Antes de entrar en los espacios que generan las columnas, podemos observar cómo en el extremo izquierdo, asoma un perro entre la primera y segunda balaustrada. Posiblemente la mascota que aparece en algunos cuadros del emperador Carlos. El perro dirige su rostro hacia abajo, como contemplando la Última Cena.

En el primer espacio de la izquierda encontramos una posible mujer africana. Va vestida de dama de la corte y lleva un turbante o tocado. Tiene el brazo derecho extendido hacia afuera de la escena, el antebrazo y mano izquierdos reposan sobre la baranda, la cabeza parece apoyarse sobre la columna. Su rostro mira hacia donde dirige la mano y su cuerpo se inclina hacia atrás, como llamando la atención de la emperatriz Isabel que se encuentra a su izquierda.

En el segundo espacio encontramos a la emperatriz Isabel y al emperador Carlos. Isabel porta un vestido en colores rojo y naranja claro que recuerda mucho al que lleva en el cuadro de Tiziano. Va peinada también de forma semejante a dicho lienzo. Lleva los brazos cruzados sobre el pecho, reposando las palmas de la mano hacia el pecho y los codos recargados sobre la baranda. Destacan sus ojos cerrados y, por la postura de las manos, hace pensar en una mujer muerta. Su rostro está ligeramente girado hacia donde apunta la mano de la dama africana y refleja una actitud serena.

Dentro de ese mismo espacio, pero como retirado hacia dentro de la galería, en segundo plano, se encuentra el emperador Carlos. Su cabello y barba son rojos y se aprecia claramente el prognatismo que lo caracterizaba. Su cuerpo y rostro están girados hacia el centro de la escena y parece estar en conversación con Leonor de Castro.

En el tercer espacio se encuentran los virreyes y amigos de los emperadores: Francisco de Borja y Leonor de Castro. Borja está a un lado de Carlos, separados por la columna de la galería. Francisco tiene los brazos apoyados sobre la baranda, uno sobre el otro. Y contempla con la cabeza inclinada la escena inferior de la Cena, aparentemente con nostalgia o con piedad.

A su lado, su esposa Leonor parece entablar conversación con el emperador. El color de su vestido es similar al de Isabel, pero de un estilo más sencillo. Su cuerpo y rostro están girados hacia Carlos y lleva los brazos semi extendidos, como entregándole algo, al parecer ofreciéndole una bandeja.

El cuarto espacio lo comparten Dragut, el gato, y Andrea Doria. Contemplamos sobre la baranda a Dragut, cerca de la columna central. Su color oscuro no permite ver muchos detalles de su fisonomía, quedándonos prácticamente con su silueta. Andrea Doria está girado hacia la persona de su lado izquierdo, a quien presta mucha atención. Sus brazos están reposados sobre la baranda.

Separados por una columna, a continuación, se encuentra la franciscana Sor Juana de la Cruz. Ella está sola en este espacio. Viste hábito de religiosa con velo, está girada hacia Andrea Doria y ligeramente inclinada hacia delante. La boca abierta, recordándonos su título de párroco ganado por sus famosos sermones. Está con ambos brazos apoyada en la baranda y con la mano derecha y el dedo índice extendido apunta hacia la Cena que está debajo.

En el último espacio encontramos una dama de la corte, no identificada. Está apoyada sobre la baranda con ambos brazos y aparentemente sostiene un recién nacido. Su rostro está totalmente dirigido hacia el bebé, los párpados bajos no dejan adivinar si está absorta contemplando el niño o si tiene los ojos cerrados. Lo que sí deja ver es que está totalmente ajena a lo que pasa entre los personajes de la baranda y a lo que sucede en la escena inferior de la Cena.

Propuestas de lectura

Una vez nos adentramos en la dinámica de los personajes, el mural deja de ser un plano de dos dimensiones para adquirir profundidad. Hay un intenso juego de miradas, mucha información a través del lenguaje corporal, silencios elocuentes. Entre ellos, quizás el común denominador es el Emperador, quien de una u otra forma está relacionado con el resto. Exceptuando las dos damas misteriosas de los extremos, que aún no sabemos quiénes son. Carlos es esposo de Isabel, tío y amigo de Francisco, arregló la boda de este con Leonor, sostuvo relaciones militares con Andrea Doria y fue admirador de la santidad y sabiduría de Sor Juana. El resto de personajes tenían nexos entre sí, menos probablemente Sor Juana, de quien sólo tenemos datos que conocía en persona al Emperador.

Hay un posible hecho que estuviera en el trasfondo del mural: la jornada militar de Túnez. Directamente implicados estarían Carlos, Isabel, Andrea y Sor Juana, a quien el emperador pidió oraciones para este afer militar.

Sin embargo, a mí hay una serie de señales que también me hacen pensar en otro mensaje que nos está transmitiendo esta escena. Se trata de la muerte de la emperatriz Isabel. Ella aparece como en estado amortajado, con los brazos cruzados en el pecho y los ojos cerrados. La mujer africana parece señalarle un más allá hacia al cual ella dirige ligeramente el rostro. Francisco de Borja, apesadumbrado, mira hacia abajo. Leonor intenta dirigir palabras de consuelo al emperador. Andrea Doria escucha sorprendido las palabras de Sor Juana de la Cruz, quien era un referente espiritual para Carlos. Desde lo lejos, Carlos intenta escuchar a Sor Juana. Por último, una dama de la corte sujeta en brazos al último hijo de los emperadores, que ha nacido muerto y cuyo parto prematuro ha causado la muerte de Isabel de Portugal a sus 35 años de edad.

Esta interpretación podría tratarse de una fantasía de mi parte. Pero, si más no, es un intento por hacerle nuevas preguntas al mural y seguir indagando en fuentes diversas, pistas que iluminen el origen de su encargo y el porqué de plasmarlo en Sant Jeroni de la Murtra.

El estado en que nos ha llegado el mural, después de la impecable restauración del 1992-93, nos impide captar algunos detalles más que quizás ayudarían a interpretarlo mejor. También cabe decir que la factura en sí parece sencilla. El pintor o pintores no parecen ser muy diestros, comparando el mural con otros de la época o con lienzos renacentistas.

Posiblemente la persona o personas que decidieron los personajes y la disposición de estos entre sí y toda la dinámica que hemos descrito, consiguieron mandar hacer un boceto, el cual fue enviado a la Murtra y adaptado al muro donde finalmente se plasmó.

Este artículo pretende ser una contribución al diálogo con la Historia. En ocasiones se avanza más con preguntas que con respuestas. Este mural es una ventana abierta al pasado que nos invita a no quedarnos con lo aparente.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Guía de Sant Jeroni de la Murtra
Badalona, España
Noviembre de 2025

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Estancias

Estoy:

en este estando
escucho que estás.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Octubre de 2025

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Antiguamente los textos escritos no contemplaban signos de puntuación. Eran las lectoras y lectores quienes hacían las pausas de acuerdo a como las sintieran necesarias, tanto por el sentido de las oraciones, como por la propia necesidad de tomar aire si se trataba de lectura en voz alta. Esto generaba en ocasiones diferencias de sentido, los textos se volvían más subjetivos. El nacimiento de los signos ortográficos reguló esta necesidad de que se perpetuara el sentido del texto, tal como lo había parido su creador o creadora.

Algunos de estos signos nacieron para pautar grados de silencio en la escritura. El más representativo es el punto, el cual señala que una unidad de sentido ha concluido y comienza otra. Para lo cual es necesario un silencio que nos ayude a incorporar lo dicho. Este es el llamado punto y seguido. Hacemos una pausa y seguimos. Probablemente hablando del mismo tema, enfatizándolo, profundizando o relacionándolo con otro diferente.

Cuando una idea o un hecho que explicamos ha sido lo suficientemente abordado y necesitamos ir más allá o cambiar de registro, acudimos a un punto y aparte. De esta manera concluimos un párrafo para dar comienzo a otro. Este punto y aparte requiere de un silencio más prolongado que nos permita respirar más a fondo, permitiendo que las ideas leídas se acomoden en nuestro interior antes de incorporar nuevas.

Al final del texto nos encontramos con el punto final. Este sí que marca el fin del escrito. Después de él, el texto comienza a cobrar vida propia en nuestro interior, abriendo un silencio reflexivo, largo. El punto final nos deja en el abismo de la hoja en blanco o del cambio de página, donde nos encontraremos con un texto nuevo.

Estas tres calidades de punto nos sugieren tres tipos de pausa de distinta duración y, por consecuencia, tres tipos de intención diferente. El silencio de un punto y seguido nos pide no abandonar la idea anterior, sino conservar el hilo de la charla del texto. El punto y aparte nos marca un silencio mayor, que permita airearnos un momento para continuar con el tema central del texto, pero desde otro ángulo. El punto final nos indica que toda la información es ahora nuestra.

A nivel visual, los tres tipos de punto se representan exactamente igual. La diferencia radica sólo en la posición donde se encuentren. Esto también deriva en la cualidad de silencio que hagamos. Dependiendo de la duración, nos permitirá establecer continuidad, hacer un cambio de óptica o concluir temporalmente con nuestra relación hacia el texto.

Dentro de la ortografía existen otras variedades de puntuación. La coma es una pausa, y por tanto un silencio, más breve que el punto y seguido. Su duración permite tomar aire para continuar, pero su función es muy importante, ya que va marcando la cadencia del texto. Modula el tono de la voz. Enfatiza estados de ánimo. Todo esto dentro de la misma oración o enunciado.

El punto y coma se sitúa ortográficamente entre la coma y el punto y seguido. Nos permite alargar un poco la pausa, pero no suelta el hilo de la conversación ni cierra una unidad de sentido. Amplía los matices de sentido que ha dado la coma y también se sitúa dentro del mismo enunciado.

Los dos puntos, uno sobre el otro, detienen el relato para anunciarnos algo. Puede ser una cita, una enumeración, un ejemplo. La presencia de este signo genera un silencio de expectación, ya que, como dijimos antes: anuncia. También requiere de un silencio especial, ese silencio que escucha, que se abre receptivo a lo que viene.

Por último, en esta relación de puntos y sus respectivas cualidades de silencio, tenemos los puntos suspensivos. Se trata de una sucesión de tres puntos colocados uno tras otro en sentido horizontal. Este tipo de puntos denota que el sentido de lo que contamos puede continuar indefinidamente. Como su nombre lo indica, son puntos que dejan en suspenso. Y el silencio que generan es este: suspenso, ambigüedad, indeterminación. A veces se utiliza para insinuar algo innombrable.

He traído a colación la variedad de puntos ortográficos que se refieren a pausas en en el discurso, para evidenciar la diversidad de silencios que perviven en un relato. Silencios que también acompañan la vida y el discurso interno que nos hacemos de esta. Como en los signos ortográficos, en la cotidianidad experimentamos silencios que nos ayudan a no perder el hilo de los acontecimientos vitales. También hay silencios que nos permiten distinguir ideas, sentimientos, sensaciones para dar un lugar y un tiempo a cada cosa. Hay silencios producidos por el suspenso, por la sorpresa, por la incapacidad de dar respuesta o, porque simplemente, quedamos sobrecogidos. Hay silencios que nos permiten saborear los matices más sutiles. Y hay silencios definitivos, que sucumben ante el fin de los procesos, las relaciones, los ciclos vitales.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Octubre de 2025

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Estares

Estoy:

en este estando
escucho que estás.

(Del poemario En tanto vibro. Badalona, 2025)

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México (México)
Septiembre de 2025

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El paso y su huella

Cada ser se abre paso
en la vida,
penetra en ella
abriendo un canal por
donde ella misma pasa

¡oh, misterio,
de ser el paso y su huella:
la vida en su presencia
y en su ausencia!

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Agosto de 2025

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