Las artes ‘hablan’ de belleza y son capaces de emocionar, incluso el más sencillo trazo, pero es necesario que despierten unos sentidos en el observador. En el caso de la pintura debe predisponer a dejarse interpelar. La belleza está ahí, pero quien la observa debe tener la capacidad de dialogar con ella desde el silencio. Y, si puede, el pintor debe expresar lo que siente.

¿Cómo me interpela a mí? Puedo decir a mi favor que, desde pequeño, mi abuelo, buen aficionado a la pintura, hacía unos magníficos cuadros al estilo de la escuela de Olot, me los hacía mirar con pasión y me contaba las sombras, las luces, la distancia, los valores de los contrastes… Yo, de niño explicaba lo que veía, no sé si sentía las pinceladas, pero a medida que logré una destreza con los pinceles y los colores intenté explicar lo que mi abuelo intentaba hacerme ver.

En la pintura del paisaje cada vez veo más momentos y sensaciones, pero al mismo tiempo abstraigo y limpio elementos de la naturaleza y de su ambiente que me sobran y me entretengo más en dar a conocer la fuerza de la luz y del color. Quizás me han arrebatado los valores del impresionismo que huye de unos planteamientos fotográficos para ofrecer la libertad de plasmar, según cómo, un rojo potente porque siento que me falta, o un azul en vez de un verde o cómo, diríamos a veces, un color y un dibujo estrafalarios como los que ponía Van Gogh. Algunos no lo entienden y otros disfrutamos plenamente de este tipo de absurdo de modificar los colores y las composiciones artísticas.

Curiosamente, la historia del paisaje en la pintura era poco reconocida. En las cuevas prehistóricas encontramos la figura humana, la caza, los animales…, en el románico interesa más la figura religiosa esquemática, pero el paisaje no lo encontramos plenamente si no es adornando escenas humanas o históricas como un añadido de segundo plano. En los grabados monocolores es más frecuente la aparición de paisajes.

Suelo explicar que puede que la naturaleza ‘desde siempre está allí’ y los que viven cerca están cansados ​​de verla. La mentalidad ecológica y la conservación de la naturaleza ha hecho abrir los ojos clamando para que se recupere su belleza. Siempre recordaré una conversación que tuve con un pastor de rebaño de corderos, era un hombre de mediana edad. Estábamos sentados en una roca que él la tenía por un magnífico asiento, y me decía: «no ve que es hermoso este paisaje, mire aquí, más allá…», sentí un susto de emoción. Él vivía la belleza, hacía poesía sin pinceles.

Cierto que la pintura sufrió un fuerte bache emocional al aparecer la cámara fotográfica, pero también sirvió para que con los pinceles nos espabiláramos en decir más cosas a los que tenemos la suerte de ver más allá. Hoy debemos seguir los avances tecnológicos que permiten obtener imágenes digitales, incluso con el apoyo de unas lentes trasladan al espectador dentro de una escena, como puede ser la pintura de un bosque, que hacen impregnarte de las emociones, de forma encantadora.

Es posible que algún paisaje esconda cierta belleza y pueda hacerte caer en desencanto, pero por eso el paisajista pide que se remueven las emociones y se desplacen a un punto o a un centro de la escena que puede ser, incluso, la cepa de un árbol viejo y seco y se pueda sacar partido de una cierta claridad que seguro hará hablar a esta cepa. Quién no recuerda a Joaquim Mir y a Santiago Rusiñol pintando en el torrente de Pareis de Mallorca. Dos personajes con unos caracteres muy especiales, que cuando el sol se ponía con esos colores tan bonitos lo celebraban con cierta locura, daban saltos, cantaban, se revolcaban por el suelo expresando su satisfacción. Desgraciadamente, Mir al caer al suelo se partió la cabeza, que le dejó debilitado para pintar durante una larga temporada. Quiero recordar que yo pintando en ese mismo sitio, sentí una emoción parecida, quizá menos exagerada. También recuerdo otro momento que me conmovió mientras estaba pintando en la Isla de Santorini (Grecia) una tarde cuando se ponía el sol. Me rodearon una muchedumbre de turistas que se sentaron a mi alrededor y cuando la luz del sol bajó aplaudieron largamente y en silencio iban marchando. La naturaleza convoca a entenderla, respetarla y quererla. El pintor se compromete por encima de posibles fines comerciales.

La emoción ante un paisaje puede despertar sentimientos de paz, de serenidad, de alegría…, pero también, a veces, desde esta sensibilidad puede causar enfado con la misma naturaleza y, a menudo, hace sufrir cuando vuelves a ver ese paisaje y lo han cambiado. Seguro que si el pintor ha alcanzado este nivel de emoción al volver a ver el cuadro seguirá mostrando emociones porque ya lo has hecho tuyo, lo llevas dentro. El impacto de todo arte hace que lo lleves en tu cerebro para recordarlo y recrearlo. Lo significativo de la belleza es que es capaz de extasiarte y remover lo más profundo de tu ser. No dudamos de que tu bienestar te lleva al bien existir y verdaderamente este necesita del camino de la belleza para llegar. Por eso, podemos decir que la pintura es belleza y ‘habla’.

Josep M. FORCADA CASANOVAS
Pintor paisajista
Barcelona, España
Octubre de 2024

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Hasta el próximo 30 de abril de 2024 se podrá contemplar en el Teatro-Museo Dalí de Figueres, (Catalunya, España) el Cristo de San Juan de la Cruz de Salvador Dalí. Es la imagen más popular de todas las pintadas por el artista ampurdanés. La composición está inspirada en un dibujo de San Juan de la Cruz, realizado en un estado de éxtasis del gran místico que se conserva en el Convento de la Encarnación de Ávila. Quien le habló de él a Dalí, por primera vez, fue el P. Bruno de Jesús María, carmelita descalzo (nombre de religión de Jacques Froissart (Bourbourg,1892–París,1962), especialista en espiritualidad carmelita y autor de un libro sobre San Juan de la Cruz que fue prologado por Jacques Maritain.

El mismo Dalí explica: «Cuando gracias a las indicaciones del padre Bruno, vi el Cristo dibujado por San Juan de la Cruz, resolví geométricamente un triángulo y un círculo en una figura que estéticamente resume todas mis experiencias precedentes (…) Y puse a mi Cristo en aquel triángulo». Dalí opinaba que este dibujo tuvo que ser hecho a consecuencia de un éxtasis: «la primera vez que vi el dibujo, me impresionó tanto que, más tarde, en California, vi en sueños a Cristo en la misma posición, pero en el paisaje de Port Lligat, y oí unas voces que me decían “Dalí, tienes que pintar a este Cristo”. Empecé a pintarlo al día siguiente. Justo en el momento preciso que empecé la composición, tenía la intención de incluir todos los atributos de la crucifixión -clavos, corona de espinas, etc.- y de convertir la sangre en claveles rojos clavados en manos y pies, con tres jazmines brotando de la herida de al lado. Las flores habrían sido ejecutadas al modo ascético de Zurbarán.

Pero justo antes de terminar el cuadro, un segundo sueño cambió todo esto, quizá con la ayuda de la influencia de un refrán español que dice: “A mal Cristo, mucha sangre”. En este segundo sueño, volví a ver mi cuadro sin sus atributos anecdóticos: nada más que la belleza metafísica de Cristo-Dios.» Dalí explicaba también cómo ya casi treinta años antes había quedado deslumbrado por los poemas de San Juan de la Cruz que le recitaba García Lorca, exaltado. En 1951, Dalí escribió su Manifiesto místico, publicado el año siguiente. «Mi principal preocupación era pintar a un Cristo bello, como el mismo Dios que él encarna», decía el pintor surrealista. Como un contrapunto de tantos pintores que habían representado siempre a Cristo visto desde abajo, Dalí lo pinta visto desde arriba. Es un Cristo que, elevado a la cruz, ya resucita. Dalí decía que si Jesucristo era hijo de Dios, la visión más original de su martirio en la cruz era tal y como él veía a Dios Padre. También es la posición en la que un moribundo ve la cruz que el sacerdote le hace besar.

La figura, impresionante, domina la bahía de Port Lligat. Los personajes situados junto a la barca están inspirados en un cuadro del pintor francés del barroco Louis Le Nain y un dibujo de Velázquez para la Rendición de Breda.

El modelo de Cristo crucificado fue Russ Saunders, un joven acróbata que trabajaba de doble en la industria del cine, como sustituto de grandes actores. Saunders fue suspendido del techo por permitir a Dalí visualizar el cuerpo humano bajo el estrés de la crucifixión.

La primera vez que vi una reproducción fue en el Casal Parroquial Obispo Cartañà de Calonge (Girona). Al párroco, mosén Pere Surribas, hijo también de Figueres, le complacía mucho la obra de Dalí y le citaba en sus homilías. Esta representación del Cristo de Dalí, es una homilía sin palabras. Es sintónico con los versos del poeta también figuerense y nacido en la misma calle de Salvador Dalí, Carles Fages de Climent: «Braços en creu damunt la pia fusta/Senyor empareu la closa i el sembrat/doneu el verd exacte al nostre prat/ i mesureu la tramuntana justa/ que eixugui l’herba i no ens espolsi el blat.»[1]

[1]  «Brazos en cruz sobre la pía madera/Señor ampara la cerca y el sembrado/da el verde exacto a nuestro prado/ y mide la tramontana justa/ que seque la hierba y no nos sacuda el trigo.»

Jaume AYMAR RAGOLTA
Historiador del arte
Barcelona,  España
Marzo de 2024

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No era verano, puesto que en el pasado 4 de octubre ya habíamos entrado en el otoño, aunque las temperaturas, sí eran de verano.

No fue un sueño porque era muy real, pero aquella tarde tenía la magia de los sueños. Soñar despierto.

Como les digo, el recién pasado 4 de octubre fue la inauguración de curso del Àrea Cultural Oriol en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) y en ella tuvo lugar la inauguración de la exposición pictórica de Assumpció Rodà Cortey, que soy yo. Fue La Fiesta de las Artes en sus diversas expresiones y en el amplio sentido de la palabra. Primero Joe (Josep Lluís Socías), como presidente del Àrea, presentó el lema del curso que no fue otro que ‘Un proyecto gozoso: ser feliz y compartir la felicidad, a pesar de las adversidades’. Sus palabras infundieron ánimo para vivir la vida con júbilo a pesar de los pesares porque la vida merece ser vivida. Sin duda fueron pinceladas magníficas sobre el Arte del Vivir. También infundieron este arte las palabras que nos dirigió Josep Lluís Hernández como presidente de la Asociación Lligams, puesto que la exposición de pintura se hacía con venta solidaria de los cuadros a favor de dicha Asociación para ayudar en su labor altruista que tiene por objeto promover el conocimiento y el mutuo enriquecimiento cultural, económico y social entre los diferentes pueblos, y concretamente con el camerunés. El Arte de vivir, no centrado en uno mismo, sino compartiendo lo mejor que tenemos, la vida.

Solo con mirar las paredes, podíamos admirar la belleza del arte pictórico en los distintos cuadros, tan bien dispuestos y tan bien iluminados que resaltaban lo mejor de mis pinturas y de sus colores. Además, quise que los cuadro vinieran acompañados por poemas de distintos autores o por pensamientos personales. La idea vino de que, mirando concretamente un cuadro, el de ‘chica cuidando rosas’, pensé que, quien lo comprara para tenerlo en su casa, sería bueno que le recordara aquella frase tan nuestra de ‘enjardinar el mundo’, que trascendiera la imagen para recordar que nuestra misión y sentido de la vida, como afirma el astrofísico Hubert Reeves, es precisamente, participar en hacer que la Vida florezca a nuestro alrededor para tener un mundo más humano y sostenible. Redacté un pequeño texto para acompañar el cuadro y de ahí surgió la idea de buscar un poema para cada cuadro. Dicen que una imagen vale más que mil palabras, pero las palabras pueden ayudarnos a entrar y sentir las pinturas y dotarlas de mayor sentido. Arte de la poesía.

Para terminar de redondear la fiesta, Georgina Sebastián Blanch, hizo unas pinceladas musicales con acompañamiento de piano y canto de Jazz que fue una delicia. Arte musical, que puso el broche final dando lustre y alegría a la celebración.

Al terminar, todo el mundo tenía la sensación de haber participado en una experiencia vital y alegre que nos levantó el ánimo y nos hacía tener la sensación de un sueño hecho realidad, porque estábamos bien despiertos.

Fotos: Assumpció Rodà

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora
Barcelona (España)
Noviembre de 2023

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El pintor polaco Jorge Duda Gracz nació en Czestochowa en 1941.  Desde su niñez creció bajo la influencia del Santuario y al amparo de Nuestra Señora de Claro Monte (Jasna Góra).

Con su sensibilidad artística observaba a los peregrinos que llegaban de los cuatro puntos cardinales y seguía los rezos y celebraciones participando en las tradiciones nacionales y regionales.

Pero en su alma joven sentía el desgarro de la propia vida por las adversidades personales, familiares y sociales. Se preguntaba continuamente por la incidencia de Jesús en la historia de la humanidad y en los acontecimientos sociopolíticos. Vivía inquieto y lleno de confusiones en un mundo cargado de contrastes: desavenencias, revoluciones, deportaciones, masacres por un lado y la resistencia y la no violencia o el perdón a los enemigos, por otro. En esta búsqueda de sentido no ve, en su primera etapa, la respuesta, pero se interroga y ora, desde la incomprensión y la controversia, para encontrar la luz que dé respuesta a sus cuestionamientos existenciales.

Llegó a ser profesor de Arte en la Universidad. Perteneciendo a la corriente surrealista elabora cuadros y enseña a sus alumnos lo que aprendiera de Bellas Artes y lo que sabe por experiencia vital. La temática de sus cuadros y exposiciones están en consonancia con la patria, el ser humano y la naturaleza.

A los 58 años se enferma del corazón. En esta lucha de vida o muerte se “encuentra con Jesús”, tras lo que decide mostrar la buena nueva del Evangelio a través de la representación pictórica del Vía Crucis. Para ello alquiló una casa y en soledad, entre los años 2000-2001, realiza el “Gólgota de Jasna Góra”. Esta obra consta de 18 cuadros, que incluyen las estaciones del Vía Crucis, la Resurrección, la Aparición a Tomás en Galilea y la Ascensión.

Duda Gracz murió el 5 de noviembre de 2004. Su “Gólgota” nos descubre la realidad profunda de la vida: la ofrenda de Jesús, la ofrenda del pueblo y nuestra aportación personal.

Él es el horizonte de nuestra esperanza

Os proponemos contemplar la Resurrección pintada por este autor polaco escuchando la obra “Climb every mountain”, de la película The sound of music (1965), R. Rogers.

La obra de Gracz es fuente de contemplación. La Resurrección nos invita a la siguiente reflexión:

Arraigados en Jesús resucitado por Dios para siempre, intuimos, deseamos y creemos que el Padre bueno está conduciendo hacia su verdadera plenitud el anhelo de vida, de justicia y de paz que se encierra en el corazón de la humanidad y en la creación entera. Un día conoceremos una vida donde ya no habrá pobreza ni dolor, nadie estará triste, nadie tendrá que llorar.

Desde nuestra fe en el Resucitado creemos que nuestros esfuerzos por un mundo más humano y dichoso no se perderán en el vacío. Todo lo que aquí ha quedado a medias, lo que no ha podido ser, lo que hemos estropeado con nuestra torpeza o nuestro pecado, todo alcanzará en Dios su plenitud. No nos resignamos a que Dios sea para siempre “un Dios oculto” del que no podamos conocer su mirada, su ternura y su abrazo. Lo encontraremos encarnado gloriosamente en Jesús.

Fundamentados en Jesús resucitado, creemos que las horas alegres y las experiencias amargas, las “huellas” que hemos dejado en las personas y en las cosas, lo que aquí hemos construido con gozo o con lágrimas, todo quedará transfigurado. Ya no conoceremos la amistad que termina, la fiesta que acaba, la despedida que entristece ni el amor que se apaga. Dios será todo en todos. Un día escucharemos de labios de Dios estas increíbles palabras: “Yo soy el origen y el final de todo. Al que tenga sed yo le daré gratis del manantial del agua de la vida” (Ap 21,6). ¡Gratis!, sin merecerlo, así saciará Dios la sed que hay dentro de nosotros.

Para escuchar contemplando la Resurrección, de Duda Gracz: “Climb every mountain”

https://www.youtube.com/watch?v=LjmAPh_sdtE

Si queréis saber más del “Gólgota de Duda Gracz”, os dejamos el siguiente enlace.

https://www.youtube.com/watch?v=JQKhRq4a8vI

Xavier TORRES RIO
Veterinario
Caldes de Montbui (España)
Abril de 2023

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El impresionismo representa un gran cambio en la historia del arte. Es una fuerte sacudida a la pintura clásica. El principal exponente es el grupo de “los rechazados” que no pueden optar a la exposición anual del Palacio de la Industria de París, construido por Napoleón III que solo admitía cuadros clásicos. Fue en el año 1863 que fueron rechazados, según dicen, más de 2.500 obras que provocaron una estruendosa queja de quienes no aceptaron sus obras. Fue Napoleón quién posibilitó que expusieran sus obras en el estudio del fotógrafo Nadar en el año 1874. Una pintura era de Claude Monet (1840-1926) titulada Impresión: sol naciente. Este grupo de rechazados publicó durante un tiempo una revista sobre el impresionismo.

La fotografía en blanco y negro iniciaba una crisis especialmente para los pintores que se dedicaban al retrato, y otra crisis en paralelo era la que acuciaba a la cultura académica clásica. Muchos pintores despreciaban frecuentar las academias por las exigencias de trabajo tradicionales que les obligaban a pasar por los distintos oficios: preparar los colores para el maestro, dibujo al carbón para ejercitar el claro oscuro, aprender las perspectivas en los cuadros, etc. Los jóvenes aspirantes no participaban activamente de las tertulias de los maestros, muy frecuentes a partir del atardecer, cuando la luz del día amainaba. Simultáneamente nacía una pintura “alocada” que se centraba más en la luz y el color para expresar muchas realidades de distinta manera: simplificaban, idealizaban los temas y obviaban los pequeños detalles para entrar en un estallido de colores.

Recientemente pude visitar en Barcelona una colección de acuarelas y óleos del pintor inglés Turner (1775-1851), la mayoría de ellas sorprendentes, llenas de emoción y otras puramente abstractas; no faltaron algunos cuadros costumbristas que podrían ser englobados en cualquier escuela clásica, como la holandesa. La simplificación de los trazos, tanto en las acuarelas como en los óleos, y las manchas de pintura muy pensadas ofrecían un emocionante aspecto. Con ello, no quiero decir que Turner fuera considerado impresionista, pero si puedo cualificar que algunos lienzos y acuarelas eran propias de un precursor del impresionismo. El gran mérito que se debe conceder al impresionismo es punto de arranque de una nueva pintura que cada vez más abstrae la realidad, abre paso al cubismo, al fauvismo, a las formas picassianas o al más puro abstracto, entre otras. Podemos afirmar que sin esta ruptura pictórica seguramente hubiera tardado mucho en conseguirse las más diversas formas de arte pictórico que tenemos actualmente.

En la mitad del siglo XIX aparecieron muchos artistas que intuían una nueva pintura más suelta y más simple de formas. Por ejemplo, en el Norte de Italia había grupos de pintores, bastantes bohemios, que se reunían en grupos para pintar con un nuevo estilo; podemos recordar los Macchiaioli, eran las manchas de color intencionadas que incluso estaban unidas por trazos simples. Me atrevo en este relato sobre el impresionismo a recordar unos antecedentes pictóricos en la lejanía de tiempos, como pueden ser las pinturas rupestres, o la simplicidad del románico, o también algunas pinturas y apuntes de Goya.

Una novedad que ofrecen los impresionistas es que muchos de ellos se dedicaron a pintar au plein air en la calle, en el campo, en las orillas del mar y en distintos ambientes al aire libre. Otra realidad es la que ofrecía, por ejemplo, Monet que pintó más de treinta cuadros de la fachada de la Catedral de Rouen para sacar partido de la luz y del color. ¡Con cuanta maestría plasmó la luz del atardecer o del amanecer! Estos pintores aprovecharon las ventajas que les ofrecían los tubos de pintura al óleo que fabricaron primero la casa Winston de Inglaterra y otras que iban apareciendo, o las cajas de pintura que a menudo las utilizaban como soporte para las telas, o el sencillo invento del caballete de madera. En aquel tiempo ya funcionaba el tren que seguía paralelamente el río Sena. Muchos pintores se desplazaban en este novedoso invento para crear sus obras. También se conservan fotos que utilizaban para hacer los esbozos de figuras humanas. Recordemos las bailarinas de Degas. Ciertamente sería difícil conseguir un posado de una bailarina sosteniendo su cuerpo en la punta de los dedos del pie. En aquellos momentos la ciudad de París estaba creciendo de manera asombrosa reconstruyendo sus grandes avenidas y edificios a causa de la postguerra. En los alrededores aprovechando que algunos edificios no habían caído bajo la fuerza de la piqueta se reunían por ejemplo en el Moulin de la Galette o en Montmartre.

La variedad de fuentes de inspiración fue magnífica ya que cualquier motivo les daba pie a realizar una obra maestra. ¿Quién no recuerda una silla de Van Gogh, o un cielo estrellado?

En París había una tienda llamada La puerta de China donde se podían encontrar porcelanas, estampas, vestidos, abanicos de China y de Japón. Se cuenta que el pintor y escritor Hokusai (1760-1849) había repartido muchas estampas y grabados de buen tamaño. En el año 1856, el pintor Félix Bracquemond cuando desembaló unas porcelanas que había solicitado al Japón se dio cuenta que se trataba de unas páginas de un libro de Hokusai. No le faltó tiempo para mostrar estas páginas a sus amigos artistas impresionistas. Monet hizo un retrato al óleo de su esposa Camila vestida con un kimono, pero es muy significativa la espectacular decoración que Monet hizo en su finca de Giberny cerca del río Sena y a pocos kilómetros de París. Allí estableció el último estudio, donde vivió una larga crisis emocional después de haber perdido la visión y haberla recuperado tras la operación de cataratas. Poco tiempo pudo gozar de sus nenúfares, plantas de agua y del puente típico japonés que imitaba las pinturas de Hokusai. Hoy se puede visitar su estudio que con verdadera emoción invita a entrar en un remanso de belleza y de paz. También la pintora Mary Cassatt hizo dos cuadros inspirada en los envoltorios que regaló el pintor japonés Hokusai: El peinado y El aseo.
Los impresionistas no tuvieron reparos en inspirarse donde fuera, incluso en grabados, en esculturas, en imágenes, en carteles, en ambientes de circo, pero siempre consiguieron imprimir vivacidad, luz y belleza.

Josep M. FORCADA CASANOVA
Pintor
Barcelona (España)
Septiembre de 2022

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– Recientemente Anke ha presentado en Barcelona una exposición “Metafísica del color”, con textos de Jaime. La Sagrada Familia -el emblemático templo de la Ciutat Comtal- es una sinfonía de luz y de color, para Gaudí el color es altamente simbólico, y confiaba en el gusto de los artistas que le sucederían. Una tesis doctoral reciente del profesor Francesc Torralba versa sobre la fachada de la Gloria, todavía pendiente de realización, ¿alguna sugerencia artística desde vuestra “metafísica del color” para la llamada “Catedral de Europa”?

– Nuestra primera sugerencia sería que el color a utilizar, la paleta dominante fuese una aproximación al color preexistente en el templo. No buscar una ruptura sino continuidad. Sugerir un color que no interrumpiese el silencio que permanece en cualquier templo. El color de la piedra, de la piedra erosionada por el paso del tiempo: marrón pálido, beiges desiguales, ocres terrosos… un color ‘antiguo’.

– ¿Qué aporta vuestro diálogo de esposos en el proceso creativo?

– Somos conscientes que el proceso creativo que compartimos, cuando los caminos de la pintura y la escritura se cruzan, nuestra convivencia de algo más de 20 años se fortalece. Nuestro rol naturalmente asumido de marido o mujer, de madre o de padre (somos padres de Elia y Sophia), se transforma en un proceso veloz donde hay conversaciones intensas, donde contemplar conjuntamente, aconsejar, criticar constructivamente, ayudar al otro cuando se queda exhausto, avanzar y avanzar hasta llegar Anke a sus lienzos y yo a mis textos. Para mí, Jaime, escribir sobre la pintura de Anke, profundizar sobre ella, me permite conocerla cada vez un poco más como persona: y esto fortalece positivamente nuestra vida en común.

– ¿De qué modo vuestros hijos participan de vuestras epifanías de belleza?

– Ellos han vivido la obra pictórica, el taller, los bastidores, los lienzos, pinceles, potes de pintura… desde que han nacido. Anke siempre les ha ‘abierto la puerta’ del taller, les ha puesto una gran hoja en blanco en el suelo y les ha puesto un pincel en las manos. Aunque Elia se dedica a la música y Sophia, aún en la escuela, parece que se va a dedicar a la danza contemporánea, ambos pintan muy bien. Dos detalles: el primero es que los únicos cuadros que Anke tiene colgados, ¡desde siempre!, en su taller son ‘obras’ pintadas por Elía y Sophia. A ella le parece increíble la libertad y desapego con el que pinta un niño. El segundo es que el primer fin de semana de enero celebramos junto con otra familia de Berlín, con dos hijos también, el primer Familienkunstworkshop, es decir, el primer taller de arte en familia: nos juntamos los ocho en el taller de Anke, y cada uno ofreció su saber (en relación a la pintura) y cada uno recibió ese saber de otro. En el caso de Anke, ella quiso aprender como Erland, el hijo de la otra familia, un chico de 12 años pintaba sus óleos sobre tela.

– Pasáis temporadas (y cantáis) en Santes Creus, el antiguo cenobio cisterciense donde el pueblo recogió la antorcha de la extinta Comunidad. ¿En qué medida son necesarios hoy los espacios neomonásticos?

– La vida nos ha regalado poder pasar una temporada al año en Santes Creus. En la plaza de Sant Bernat, presidida por la fachada silenciosa de la iglesia. Cuando estamos en Santes Creus, cada día vamos a caminar por los alrededores del Monasterio, caminos de tierra que evocan, con sus ‘marges’ de piedra, el trabajo anónimo de tantas generaciones de campesinos. Todavía se nota esa fuerza latente aunque esté extinta.

Y también cada día vamos a visitar el monasterio. Lo recorremos en calma, cada vez se descubre algo nuevo. Con frecuencia recuerdo algo nuevo porque yo mismo fui monaguillo durante unos años en la iglesia del Monasterio. El sacerdote de entonces, mi estimado Mossèn Clemente, me educó en el respeto hacia el Monasterio, su historia y hacia la música. Él fue un gran melómano, creador de los famosos «Dissabtes musicals a Santes Creus», cada verano durante muchos años. Y sí, todo esto mezclado con que en Alemania hay una fuerte tradición con el canto, aumentado con el hecho que Elia estudia música en Hamburgo, cuando estamos en el Monasterio, más exactamente en lo que fue el refectorio, donde la acústica es maravillosa, cantamos. Cantamos a dos o tres voces, a canon, a una sola voz. Y eso, de alguna manera inexplicable, nos une un poco más. Por todo esto, por cada experiencia que pueda regalarnos un templo con tanta historia, justamente por eso son necesarios los espacios neomonásticos.

– ¿Qué papel juega el silencio en vuestra vida cotidiana y en vuestras reflexiones plásticas?

– Nosotros vivimos en el norte de Alemania, en el campo, en un «Hof«, es decir, lo que se entiende por un manso. El sonido del viento, de la lluvia, de los pájaros, de la nieve, de la noche… todos esos sonidos son una evocación del silencio. No puedo evitar evocar la figura de San Juan de la Cruz y su verso “la música callada, la soledad sonora”. El silencio en nuestro entorno, aunque vaya acompañado de los sonidos que proceden de la lluvia al caer sobre la tierra o los árboles o la casa, es profundo y conmovedor. Son sonidos que fluyen naturalmente, sin premeditación o control alguno, van y vienen, como la naturaleza misma suele manifestarse en su natural discurrir. El silencio como creemos conocerlo, es decir, la ausencia de cualquier sonido natural o artificial, también se da, y de forma inesperada, no sólo por la noche. Puede ser al amanecer o, sorprendentemente, por la tarde. Todo queda suspendido en la incertidumbre de su duración. Y nosotros, que ya vivimos aquí en esta casa, en este lugar llamado Holt, desde hace unos 15 años, aún y sabiendo que esto es así, cuando nos sorprendemos escuchando este silencio o la respiración profunda de la naturaleza en cualquiera de sus manifestaciones, entonces comprendemos qué importante es saber escuchar, estar atentos, ser receptivos… porque entonces descubrimos todo aquello que hay más allá de nosotros mismos.

Los tres cuadernos de textos anteriores a «Metafísica del color», cuadernos también fruto de la contemplación de los lienzos de Anke pintados en este entorno, se titulan:

«El silencio de la palabra», «El silencio del color» y «El silencio de la luz».

– ¡Muchas gracias!

Jaume AYMAR RAGOLTA
Historiador del arte
Barcelona, España
Febrero de 2022

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Artísticamente –y en concreto en el ámbito del arte religioso– Josep Maria Nuet Martí detestaba claramente dos cosas: aquellas representaciones lánguidas del Sagrado Corazón, tan poco varoniles y tan trasnochadas, y aquellas que presentaban San José como un viejo.

De las primeras se reía abiertamente, con su buen humor habitual, calificándolas de «deplorables», que era un adjetivo muy suyo. En cambio, las representaciones de San José como un viejo decrépito más bien le causaban cierta indignación.

No había seguido estudios teológicos, pero tenía sentido común y libertad de espíritu, dos cosas básicas para ver las cosas tal como son. Tenía razón de sulfurarse: «¡Por el amor de Dios! ¿Qué habría hecho la pobre María en la huida a Egipto con un anciano caduco?». Esta iconografía era propia de una época oscurantista en que toda manifestación de juventud y de vida parecía sospechosa de lascivia y pecaminosidad. Gracias a Dios, en eso hemos mejorado bastante…

Creo que, en cierto sentido, se sentía muy cerca de San José: era hombre, marido y padre. Sin perder en ningún momento el sentido de la proporción, claro. Él se sabía imperfecto, insuficiente en muchos aspectos y no podía atreverse a compararse con él, pero podía comprenderlo y sentirlo cerca.

Hombre

En su virilidad –no recuerdo haberlo visto nunca preocupado por la propia imagen, por el vestido o por el peinado; no estaba por monsergas– sintonizó muy bien con San José, el hombre bueno, sobrio, sencillo, creyente, protector, esforzado, trabajador, silencioso … Lo dibujaba y pintaba joven, arreglado con sencillez, con unos ojos de mirada quieta en que se adivinaba su interioridad. A menudo lo pintaba con María y Jesús pequeñito, acompañándolos y protegiéndolos con ternura. Solo sabía las referencias de los Evangelios y la tradición, pero intuitivamente sabía comprenderlo muy bien.

Marido

Papá recibió plenamente la formación del Dr. Tarrés, que tanto trabajó en los jóvenes de su tiempo la limpieza de corazón y el respeto por la mujer. Tenía un alto sentido de la fidelidad, de la intimidad y de la estimación verdadera. Probablemente, a través de su vivencia como marido entró fácilmente en sintonía con la vivencia de José, que, tras recibir el anuncio del ángel, en sueños, «tomó en casa a su esposa», María (Mt 1,24).

Las cuatro pinceladas que la Escritura ofrece de San José dicen poco y sugieren mucho. En la vida cotidiana de aquel tiempo, seguro que José fue en todos los aspectos un gran apoyo para María. No hace falta ser muy sabio para concluir que trabajó duro para sostener la familia y hacer más soportables a María los trances que tuvo que pasar. La comunicación entre José y María quedaba muy lejos –¡seguro! – de la palabrería superficial. ¡Cuántas cosas debían compartir! Experiencias desconcertantes, sorpresas que los maravillaban, y aquella comprensión progresiva y siempre inacabada del plan de Dios sobre su vida… El amor que se tenían era a la vez vigoroso y tierno, y se concretaba en el trabajo y la convivencia de cada día. Todo esto se adivina fácilmente en sus pinturas de San José.

Padre

Mi padre era muy casero y familiar. Representaba a menudo San José trabajando en su casa, con María y Jesús. El hecho de ser padre sin duda lo acercó también vitalmente a San José. Le hacía feliz que le pidieras ayuda para hacer algún trabajo interesante. Y me imagino que San José bien debía tener una actitud similar.

Meditar sobre las diferentes escenas de la vida de Jesús «como si presente me hallase», como enseña San Ignacio de Loyola, nos ayuda a conocer a Jesús y a quererlo. Me gusta imaginarlo jovencito, trepando a menudo en la azotea para mirar las estrellas, pidiendo a José que le volviera a explicar su sueño y el anuncio que había recibido su madre, en el largo proceso de comprender quién era exactamente y quién era ese Dios que a él le salía del corazón llamarle abbá (papá).

De José aprendió bien el oficio de artesano, al que se dedicó unos años, el cumplimiento de la palabra dada y la honestidad del trabajo bien hecho. Viendo cómo se trataban papá y mamá, con armonía y una delicadeza sencilla, aprendió a valorar cada persona como un hermano. Las actitudes tan humanas y liberadoras de Jesús con la gente sencilla que recoge el Evangelio, las aprendió humanamente en Nazaret, junto a José y María.

La sencillez y modestia de José, su bondad, su entrega como quien no quiere la cosa…, todo ello Josep Maria Nuet Martí lo plasma en sus pinturas, dibujos e iconos de San José.

Eulàlia NUET BADIA
Correctora
Barcelona (España)
Julio de 2021

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Entrevista a Javier García Aranda, muralista

Recientemente tuvimos la oportunidad de conversar con Javi García, él es ilustrador, dibujante social, profesor y muralista. Javi está afincado desde hace algunos años con su familia en Ripollet, ciudad muy cercana a Barcelona.

Para él, dibujar es la manera en que aprende sobre el mundo que le rodea. “Cada nuevo proyecto en el que trabajo me ofrece nuevas formas de explorar, experimentar y ver, a través de las ideas, las técnicas y las imágenes”.

– ¿Desde pequeño?

– Sí, he dibujado siempre, desde pequeño, a temprana edad haciendo estudios extra-escolares y muy vinculado al mundo del cómic. Más formalmente, cuando terminé la carrera de psicología, empecé a estudiar Bellas Artes en el 2003 y me incliné por el mundo de la pintura y la ilustración. Después tuve la oportunidad de formar parte de algún colectivo y apareció una que otra exposición en común.

En paralelo, trabajaba mucho en el terreno de la programación web para sobrevivir. Hasta que en el 2015 tomé la decisión de dedicarme más de lleno a la ilustración y a las artes plásticas, sobre todo aplicando el dibujo al mundo editorial. Esta decisión fue acompañada de ir realizando cursos temáticos que complementaran mis áreas de interés en este oficio. Esta etapa coincide con mi traslado de residencia a Ripollet con mi familia.

Actualmente trabajo casi de lleno como ilustrador en el mundo editorial, desarrollando encargos y proyectos para libros, revistas, textos infantiles, productos corporativos. También para ayuntamientos y entidades haciendo infografía donde se ocupe el dibujo. Recientemente he colaborado con revistas como Petit Sàpiens o el libro Petit Ripollet.

– Pero, no es lo mismo plasmar en papel la vida de un pueblo que plasmarla en el muro…

– Me llegó por casualidad el primer encargo mural. Durante varios años me dediqué a dibujar mucho por la calle, fue un reclamo interesante para que me empezaran a conocer en el pueblo como un dibujante que iba recogiendo sucesos sociales. Por ejemplo, se me veía en una manifestación dibujándola, ahí en directo y con alegría y desparpajo, hablando con la gente de lo que plasmaba, como un cronista gráfico, tipo reportero.

Dentro de este espacio social, también estuve dando clases de cómo dibujar cuadernos por la calle. Así fue como me salió el primer encargo mural para explicar en el pueblo un tema relacionado con un mercado. Querían algo que se viera muy grande, una pintura de tipo social que afectara el itinerario de las personas.

Yo les comenté que no había hecho algo tan grande, pero no les importó porque tenían ganas de que lo hiciera yo y diseñar un plan conjunto. La primera idea no prosperó porque el muro que se quería intervenir no funcionaba y acabamos haciéndolo en otro emplazamiento con otro tema. De esta manera se dieron dos de las cosas que más me interpelan: trabajar en un gran formato como es la pintura mural y el hecho de posicionarme ante una temática social.

– ¿Cómo te recibió el muro?

– En el primer mural sufrí mucho. Sucede que soy temerario y me tiro a la piscina cuando me proponen algo, pero fue duro el primer contacto con la pared. Y es que, hay que tener muy en cuenta cómo está la superficie con la cual vas a trabajar, el estado de su preparación. Hay un gran paso del papel o la pantalla, donde todo está preparado cuando abres un documento nuevo en el ordenador, a la realidad física del muro. Literalmente me di contra la pared: hay que tener en cuenta aspectos básicos como de qué está hecho el muro con el que vas a trabajar. Por ejemplo, en el primero mural que intervine, tuve mucha dificultad al momento de aplicar la pintura, los pinceles no corrían bien por la superficie y una cantidad de obstáculos a ir superando. Para los siguientes murales me aseguré de que la pared estuviera en buen estado, preparada para la aplicación de la pintura. Investigué todo lo que pude sobre la durabilidad de los materiales, me basé en la experiencia de otros compañeros y compañeras sobre el bocetaje, las escalas, la técnica en general.

He aprendido mucho a preparar el entorno de trabajo y dejarlo lo más agradable posible. En el ordenador el entorno ya está preparado, pero en el mural no. En el proceso se aprende mucho. Incluso de cómo se accede a la pared. Recuerdo que en el primero tenía que llegar a una altura como de ocho metros con unas dificultades tales que tenía que acceder con grúa y esto me retrasó también en los tiempos que tenía proyectados.

También comprendí mucho sobre las implicaciones físicas, el trabajo a la intemperie. Moverme desde unas dinámicas corporales que desconocía. En fin, una exigencia muy interesante que me hizo estar conectado con lo que estaba haciendo. Cuidar de no caerme, que no se me cayera la pintura, estar atento a cada parte del proceso. En el mural es difícil, por lo cual hay que preparar mucho, planificar, calcular los pasos a la hora de pintarlo para no dejarme nada.

Cada proceso de creación mural es el que es: puede ser muy alto, muy bajo, la climatología con la que te toca pintar…

– ¿Y dónde aparece la parte creativa?

– He tenido la suerte de que en los encargos que me han hecho, me han dado manga ancha en la parte creativa. Me presentaban el tema y yo podía plasmar la mirada que yo tenía al respecto. Te cuento que el primero consistía en un despliegue histórico del edificio antiguo del ayuntamiento de Ripollet. Aquí mi trabajo consistió en plasmar las imágenes a partir de la historia, cómo disponer los personajes, cómo relacionarlos entre sí.

En el segundo se me pedía representar la obra del pintor Josep Franch Clapers en la casa donde se exhibe su obra, en Castellterçol, para visibilizar este espacio expositivo. Así que inventé una manera de plasmarlo, una paleta de colores y un juego del adentro y el afuera que invitaba a entrar.

En el último que he hecho, se recoge la petición popular de enterrar las vías del tren de Montcada y Reixach: se trataba de traducir en mural este sentir de la gente. Lo que hice fue retratar cómo los personajes cosían las vías del tren, de manera que el pueblo, divido por esas vías, quedaba de nuevo unido o recosido.

La parte que de manera consciente intento dejar de mí en el mural es la disposición de la escena, por así decirlo: cómo coloco los personajes, qué relaciones genero entre ellos, el encuadre que doy a la composición… Seguramente de manera inconsciente quedan muchas más cosas impresas en los muros.

– Como creador de obra en espacio público, ¿hay una responsabilidad social para el muralista?

– Cuando me han hecho un encargo, hasta ahora he tenido la suerte de poderme identificar con la encomienda y hacerla mía, pero ha sido después que me he dado cuenta del verdadero impacto social. Sobre todo cuando los iba pintando, ya que la gente que va pasando interactúa conmigo. La responsabilidad social la he sentido más a la hora de aceptar en el encargo, sin embargo, a la hora de plasmarlo es cuando notas su impacto.

También queda evidenciado cómo la gente tiene sentimientos encontrados en una obra de esta naturaleza y te sientes muy evaluado porque la gente dice: esto está muy bien o esto no. A la gente le inquieta los temas históricos, en el buen sentido, le estimula a pensar. En los dos primeros murales, que son de temática histórica, he visto cómo generan diálogo entre las personas. Por ejemplo, en el primero aparecían sindicalistas, anarquistas y personas concretas de la historia del pueblo. A la gente le provocaban sensaciones diversas y esto abría un diálogo y suscitaba memoria. Aquí siento que ya cumple una función social el mural: la gente se encuentra con él, sí o sí, no es como un periódico que tú eliges para leer.

Igualmente, el mismo proceso de elaboración también interpela, ya que la gente va viendo cómo el mural va mutando con los días, cómo de unas rayas y manchas va emergiendo el tema.

En uno de los murales pasaba la escuela salón por salón y los niños y las niñas me preguntaban cosas. Les impresionaba cómo pasas de un dibujo pequeño a la escala de una pared grande. Iban viendo cómo iba bocetando, después aparecían manchas de colores, hasta que de pronto va apareciendo la figura. El proceso es muy bonito, así como interesantes los problemas a los que te enfrentas. Tan distinto a dibujar en casa donde todo está de alguna forma controlado.

Para la fiesta de Sant Jordi pintaremos en un colegio donde los peques participarán pensando qué plasmar y ayudarán a pintar creando un mural colectivo

– Y, ¿eso de tener un estilo mural?

– Estoy lejos de tener un estilo mural, he pintado tres seguidos y me ha dado una cierta experiencia. Pero lo que más me interesa es que he podido trasladar mi idea de la ilustración a un formato grande. He aprendido mucho investigando y viendo cómo trabajan otras personas en este terreno.

A nivel de estilo, he aplicado mi manera de ilustrar a otro soporte y técnica nuevo para mí. Ahora mismo, me sería más interesante ir evolucionando y ensayar, explorar. Me gusta mucho el pintar con pincel y rodillo, cuidando las proporciones, la medida. Siento que hasta ahora voy guiado muy desde la intuición, mirando igualmente muralistas como los mexicanos del siglo XX o gente joven que están realizando cosas maravillosas. Con estos últimos me une un denominador común que somos ilustradoras e ilustradores que hemos hecho el salto al muro. Me gusta cómo trabajan el color y el concepto.

Personalmente apuesto por el trabajo del concepto, la narrativa, la poética del mural. Desde un encuadre determinado de los personajes y las relaciones que se dan entre ellos.

Más de Javi García en internet

Agradezco a Javi García su tiempo para esta entrevista. De fondo se escuchaban los sonidos del hogar y se podía intuir el taller con pinceles, rodillos, lápices y cuadernos de bocetos perfectamente ordenados, como es él.

Seguramente os han quedado ganas de conocer más sobre la obra de Javi. No sólo pinta murales, ilustra libros infantiles y muchas cosas más. Les recomiendo un paseo por su página web: www.javigaar.com

Ámbito de Arte
Universitas Albertiana
Barcelona, España
Abril de 2021

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“Me motiva saber encontrar el tono preciso en cada momento”

Entrevista a Assumpció Rodà

Te sientes bien a su lado. Assumpció Rodà es una mujer serena, clara y transparente, pulcra y precisa. Y cuando contemplas sus cuadros (sinfonías de color y de un dinamismo en ocasiones cinetista) todavía comprendes mejor su hondura humana y su dimensión transcendente. Assumpció pinta como quien entona un himno.

– ¿En qué circunstancias empezaste a pintar?

– Cuando me jubilé enseguida vi claramente dos cosas que quería hacer. Una de ellas era empezar a pintar, una actividad que nunca antes había practicado. La otra, ver la salida del sol desde la playa cada día, que me obligó a madrugar y caminar un rato para llegar al mar. Todo ello empezó cuatro años atrás.

– ¿Cuáles han sido tus maestros?

– Durante los dos primeros años asistí a clases de pintura en dos Centros Cívicos donde aprendí distintas técnicas: carboncillo, dibujo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico y óleo. Posteriormente me he centrado en la técnica del óleo en uno de esos centros. Gracias a los conocimientos y buenos consejos de las dos profesoras fui aprendiendo y mejorando en este arte de la pintura. También los compañeros de clase, viendo sus trabajos, han supuesto una buena motivación para mí.

– ¿Qué pintores admiras?

– Desde siempre, cuando viajo por distintas ciudades, me gusta visitar museos y galerías de arte y me maravilla ver cómo pintores de todas las épocas y con diversas técnicas y estilos, han sido capaces de reflejar un paisaje, un rostro, una escena de la vida diaria o bien expresar cómo ellos veían o sentían la realidad según su visión o vivencia. Por ejemplo, admiro la forma cómo Sorolla trabaja la luz; los grandes maestros como Renoir y Monet  y también Van Gogh.

– ¿Qué quieres transmitir con tus pinturas?

– Sería muy pretencioso para mí decir que quiero expresar algo. De momento me esfuerzo en aprender e ir mejorando la técnica del óleo y descubrir y aplicar las muchas posibilidades que contiene. Quizás más adelante sea capaz de expresar algo, por el momento puedo decir que pinto porque me resulta una actividad placentera y, de alguna forma, permite sacar la  pequeña o gran parte de arte que todos llevamos dentro. Me motiva especialmente la técnica del color, saber crear el tono preciso que se necesita en cada momento.

– ¿Crees que tu pintura ha ido evolucionando?

– Es una pequeña satisfacción ver cómo en esos cuatro años he ido aprendiendo y mejorando en técnica y estilo. El dibujo es más evolucionado, las pinceladas son más cortas, hay más matización del color y las pinturas van ganando en textura, profundidad, en el tratamiento de la sombra, etc. Intento resaltar en cada cuadro aquello que tiene de específico y esencial.

– ¿Pintar para ti es un hobby, una necesidad vital, un compromiso social…?

– Actualmente es un hobby que se va convirtiendo en necesidad. Cuando llevo unos días que no puedo pintar lo echo de menos y espero con ganas retomar los pinceles y lienzos. Cuando pinto escucho música clásica y estoy tan inmersa en este ambiente que pierdo la noción del tiempo.

Pintar placenteramente, es un atisbo de eternidad. ¡Gracias Assumpció!

Jaume AYMAR RAGOLTA
Historiador del arte
Barcelona (España)
Agosto de 2020

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El pintor Josep Maria Forcada i Casanovas, médico y prior del Hospital de Sant Pau de Barcelona, presenta durante los meses de verano de este 2018 una exposición extraordinaria en el Museo del Arte de la Piel en Vic, Catalunya. Con el título genérico de “Josep Maria Forcada, síntesis pictórica y vital” se exponen más de doscientos cuadros del artista, especialmente paisajes de diversas etapas pictóricas, predominando las de su época reciente.

Forcada pinta con vigor escenarios de la Plana de Vic, las Adoberías, las orillas del río Congost en la Ametlla del Vallès, el Camp de Tarragona, la Vall de Sau, Hostalric, Calonge, Mallorca, Eivissa, Tierra de Campos… y también Grecia, Venecia, Marruecos y las Misiones de California… Forcada, que ha expuesto alrdedor del mundo y que incluso tiene obra en Taiwán, suele decir que es “de los últimos pintores de la escuela catalana”. Su pintura, en efecto, colorista y vibrante se inscribe en la trayectoria de pintores catalanes como Meifren, Casas, Rusiñol, Mir, Asensio y Bofill, uno de sus referentes más cercanos.

Se da la circunstancia que este año hace cien de la muerte de un tío bisabuelo suyo, el claretiano Josep Maria Forcada i Sors, también vigatano. El P. Forcada desarrolló en su tiempo diversos proyectos arquitectónicos de gran inspiración modernista. Sus planos acuareleados, con la viveza del color y el movimiento revelan, como el actual Josep Maria, toda una intensa vida interior. Aquel artista claretiano también supo hacer compatible el cultivo de la vertiene artística con su ministerio sacerdotal.

Os invito a que viajéis por los paisajes de Josep Maria Forcada, el actual, y descubráis cómo se va engrosando su pincelada conforme avanzan los años y cómo su paleta de colores es reflejo de la vitalidad y la contemplación que le caracteriza como persona.

Jaume AYMAR RAGOLTA
Historiador del arte
Barcelona
Julio de 2018

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