El pintor polaco Jorge Duda Gracz nació en Czestochowa en 1941.  Desde su niñez creció bajo la influencia del Santuario y al amparo de Nuestra Señora de Claro Monte (Jasna Góra).

Con su sensibilidad artística observaba a los peregrinos que llegaban de los cuatro puntos cardinales y seguía los rezos y celebraciones participando en las tradiciones nacionales y regionales.

Pero en su alma joven sentía el desgarro de la propia vida por las adversidades personales, familiares y sociales. Se preguntaba continuamente por la incidencia de Jesús en la historia de la humanidad y en los acontecimientos sociopolíticos. Vivía inquieto y lleno de confusiones en un mundo cargado de contrastes: desavenencias, revoluciones, deportaciones, masacres por un lado y la resistencia y la no violencia o el perdón a los enemigos, por otro. En esta búsqueda de sentido no ve, en su primera etapa, la respuesta, pero se interroga y ora, desde la incomprensión y la controversia, para encontrar la luz que dé respuesta a sus cuestionamientos existenciales.

Llegó a ser profesor de Arte en la Universidad. Perteneciendo a la corriente surrealista elabora cuadros y enseña a sus alumnos lo que aprendiera de Bellas Artes y lo que sabe por experiencia vital. La temática de sus cuadros y exposiciones están en consonancia con la patria, el ser humano y la naturaleza.

A los 58 años se enferma del corazón. En esta lucha de vida o muerte se “encuentra con Jesús”, tras lo que decide mostrar la buena nueva del Evangelio a través de la representación pictórica del Vía Crucis. Para ello alquiló una casa y en soledad, entre los años 2000-2001, realiza el “Gólgota de Jasna Góra”. Esta obra consta de 18 cuadros, que incluyen las estaciones del Vía Crucis, la Resurrección, la Aparición a Tomás en Galilea y la Ascensión.

Duda Gracz murió el 5 de noviembre de 2004. Su “Gólgota” nos descubre la realidad profunda de la vida: la ofrenda de Jesús, la ofrenda del pueblo y nuestra aportación personal.

Él es el horizonte de nuestra esperanza

Os proponemos contemplar la Resurrección pintada por este autor polaco escuchando la obra “Climb every mountain”, de la película The sound of music (1965), R. Rogers.

La obra de Gracz es fuente de contemplación. La Resurrección nos invita a la siguiente reflexión:

Arraigados en Jesús resucitado por Dios para siempre, intuimos, deseamos y creemos que el Padre bueno está conduciendo hacia su verdadera plenitud el anhelo de vida, de justicia y de paz que se encierra en el corazón de la humanidad y en la creación entera. Un día conoceremos una vida donde ya no habrá pobreza ni dolor, nadie estará triste, nadie tendrá que llorar.

Desde nuestra fe en el Resucitado creemos que nuestros esfuerzos por un mundo más humano y dichoso no se perderán en el vacío. Todo lo que aquí ha quedado a medias, lo que no ha podido ser, lo que hemos estropeado con nuestra torpeza o nuestro pecado, todo alcanzará en Dios su plenitud. No nos resignamos a que Dios sea para siempre “un Dios oculto” del que no podamos conocer su mirada, su ternura y su abrazo. Lo encontraremos encarnado gloriosamente en Jesús.

Fundamentados en Jesús resucitado, creemos que las horas alegres y las experiencias amargas, las “huellas” que hemos dejado en las personas y en las cosas, lo que aquí hemos construido con gozo o con lágrimas, todo quedará transfigurado. Ya no conoceremos la amistad que termina, la fiesta que acaba, la despedida que entristece ni el amor que se apaga. Dios será todo en todos. Un día escucharemos de labios de Dios estas increíbles palabras: “Yo soy el origen y el final de todo. Al que tenga sed yo le daré gratis del manantial del agua de la vida” (Ap 21,6). ¡Gratis!, sin merecerlo, así saciará Dios la sed que hay dentro de nosotros.

Para escuchar contemplando la Resurrección, de Duda Gracz: “Climb every mountain”

https://www.youtube.com/watch?v=LjmAPh_sdtE

Si queréis saber más del “Gólgota de Duda Gracz”, os dejamos el siguiente enlace.

https://www.youtube.com/watch?v=JQKhRq4a8vI

Xavier TORRES RIO
Veterinario
Caldes de Montbui (España)
Abril de 2023

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Bach aparece al final de la época barroca y confiere a la polifonía o contrapunto (despliegue simultáneo de varias melodías, todas ellas de igual importancia) tal significación emotiva, nobleza de pensamiento, majestad de concepto y amplitud de diseño, que agota totalmente las posibilidades técnicas y estéticas de ese estilo severo.

Un ejemplo de todo ello es su obra, el Oratorio de Navidad BWV 248, compuesto por Bach en 1734 y que no es propiamente un oratorio, sino que son seis cantatas independientes en el conjunto de una unidad litúrgica para los tres días de Navidad, el domingo intermedio, el día de Año Nuevo y la Epifanía. Bach no ejecutó nunca el Oratorio en su totalidad.

Analizando brevemente las tres primeras Cantatas (Nacimiento de Jesús, Anunciación de los pastores y Adoración de los pastores), vemos que conforman una trilogía diferenciada del resto y Bach lo pone de manifiesto abriendo y cerrando el conjunto con el mismo coro en re mayor, dándole al ciclo una unidad.
Los recitativos se reconocen porque la voz, en la cuerda de tenor, está solamente acompañada por el continuo (órgano y contrabajo) y son la explicación de los hechos, narrados por el Evangelista.

Las arias, temas musicales con unidad propia, son destinadas a ser cantadas por una voz sola, ya sea soprano, contralto o bajo.

Los corales, provienen de los Cantus Firmus del gregoriano medieval y que Lutero tradujo a lengua vernácula, al alemán. Él mismo es creador de muchos de ellos. Estos corales los canta la asamblea de fieles que se congrega en las liturgias luteranas.

Algunos de los números del Oratorio de Navidad son parodias de cantatas profanas de Bach en homenaje a personas ilustres; es decir, cambia el texto, pero la música es la misma de otras cantatas de carácter profano, por ejemplo de la BWV 213, 214, 243… Los demás números son originales.

La espiritualidad de los textos se inscribe en gran parte en una corriente religiosa con la que Bach se identificaba, llamada pietista, llena de una devoción cuajada de melancólico misticismo, profundamente afectivo y caracterizada por el uso de diminutivos.

Vamos a destacar algunos pasajes especialmente interesantes desde el punto de vista musical.

1º La obertura de la segunda cantata es una sinfonía de carácter pastoril y campestre, que evoca un diálogo musical alternativo entre los ángeles, representados por la cuerda y las flautas, y los pastores, representados por los oboes d’amore y di caccia (de caza).
2º En el aria de tenor de la segunda cantata hay un efecto de la retórica musical barroca, consistente en largas vocalizaciones (melismas), que enfatizan las palabras “alegría” y “suaviza”, para expresar el gozo del momento.
3º El excelente y famoso coro Gloria in excelsis Deo, llamado el Canto Angélico.
4º El aria de contralto de la tercera cantata tiene una atmósfera delicada, impregnando un ambiente propicio para reflexionar y guardar en la intimidad de su corazón, lo que María de Nazaret experimentaba con los hechos que estaba viviendo.

El extraordinario video que propongo de Nicolás Harnoncourt pone en escena el Misterio de la Encarnación con serenidad, piedad, rigor, respeto y gravedad, optando por criterios historicistas (instrumentos de época) y coro de voces blancas.

Video: BACH-CHRISTMAS ORATORIO 1-3 de Nicolás Harnoncourt

Xavier TORRES RIO
Veterinario
Caldes de Montbui (España)
Diciembre de 2018

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El pesebre lo componen el “paisaje”, con sus construcciones, ríos, caminos, cielo, estrellas, animales… y el “paisanaje”, con los personajes representativos de aquella época en tiempos del emperador Augusto, a comienzos del siglo I: pastores, pajes, reyes…. y los tres personajes centrales del pesebre propiamente dicho: José, María y Jesús.

Situados en este marco podemos empezar a hablar ya del Oratorio. «Oratorio» hace referencia a una forma musical de carácter y tema religiosos; en este caso el misterio cristiano de la Encarnación de Dios en su hijo Jesús. Este Oratorio está compuesto para cinco solistas, coro y gran orquesta sinfónica. Es una pieza de gran formato y consta de cuatro partes y veintidós números musicales, con una duración de unos 100 minutos.

Pau Casals (1876-1973) recoge esta tradición pesebrista en su Oratorio cuando conoce a su compañero de exilio y amigo poeta Joan Alavedra, en Pradas de Conflent (Francia), el cual había presentado su poema Pessebre en los Juegos Florales de Perpignan, en 1943, ganando el primer premio. La composición de Pau Casals se alarga 18 años, desde 1943 a 1960, y el debut se realiza en Acapulco (México) cuando Casals tiene 84 años.

Querría detenerme en la trama argumental de la obra para poner de relieve aspectos sobresalientes que merecen nuestra atención. En la obra hay dos “expediciones”. Una, la de los pastores del pueblo llano que se dirigen desde los lugares donde pastorean sus rebaños hacia el establo del nacimiento; y, otra, la de los Reyes de Oriente, revestidos de solemnidad y boato, que se dirigen desde sus países lejanos hacia Belén.

En la primera “expedición”, el narrador (tenor) nos informa que a la voz de un ángel (soprano) que anuncia la buena noticia, los pastores se ponen en camino hacia el pesebre, asistidos por la guía de una estrella y la compañía del mismo ángel. En su recorrido los pastores se encuentran con personajes que son invitados a seguirles, pero estos rehusan la invitación por motivos diferentes, aunque siempre referidos al trabajo que efectúan en relación con la Vida, Pasión, Muerte y Resurrección del actor principal que es Jesús, el Niño Dios que va a nacer.

Veámoslo: el “hombre del pozo” mientras saca agua dice: este es el pozo de vida, hará falta mucha agua, hermanos, el niño que acaba de nacer ha de lavar todos los males (alusión al bautismo cristiano). El “pescador” dice que está pescando los peces que Jesús dará más adelante a la muchedumbre que lo irán a escuchar (aludiendo al pasaje evangélico de la multiplicación de los panes y peces). El “labrador y los vendimiadores” aluden al pan y al vino del que Jesús se servirá para la institución de la Eucaristía en la Última Cena. Y “la vieja hilandera” está hilando el paño que usarán las mujeres para envolver el cuerpo de Jesús en su sepultura.

En la segunda “expedición” los actores manifiestan sus sentimientos: los pajes expresan su nostalgia familiar, los camellos extrañan los lugares que recorren y los Reyes calculan “científicamente” el lugar exacto del augusto acontecimiento.

Llegados al clímax central de El Pessebre propiamente dicho, María, la madre de Dios, entona un canto desnudo y sencillo de sublime belleza, donde ella se ofrece como mediadora de salvación con sus rezos y José se ofrece como sustentador de la vida de Jesús. También cantan la mula y el buey que expresan su sorpresa y alegría por los momentos que están viviendo.

La cuarta y última parte es la Adoración, en la que se detallan las pobres pero entrañables ofrendas de los pastores al Niño Jesús, en contraposición a las ofrendas ostentosas y grandilocuentes de los Reyes Magos. El Oratorio finaliza con el Hossana y el Gloria rematado con la última palabra: PAZ.

Querría exponer, para acabar, una breve referencia a los aspectos musicales:
1.- Catalanidad de fragmentos de la obra, como giros melódicos propios de la música popular y tradicional catalanas.
2.- Breves motivos melódicos (el motivo de las cuatro notas), usados también por los grandes compositores (Bach, Mozart, Haydn) y que recorren todo el Oratorio a modo de leitmotiv.
3.- El estilo musical de composición no es vanguardista. Es música tonal y consonante, con espíritu ecléctico, inspirándose en compositores como Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Mendelssohn y otros del último romanticismo como Mahler, Richard Strauss y Puccini.

Por último, hacer mención del mensaje del Oratorio. Así como Beethoven centra su mensaje en la Alegría en su novena sinfonía, Casals en El Pessebre lo centra en la Paz, de la que fue un apóstol entregado a su causa, sobre todo después del desastre de la guerra civil española y de la segunda guerra mundial.

Proponemos la audición y el visionado de El Pessebre en los siguientes videos:
– Oratori El Pessebre. Joan Alavedra/Pau Casals. Con subtítulos en catalán.

– Oratori El Pessebre. Joan Alavedra/Pau Casals. Sin subtítulos.

Xavier TORRES RIO
Veterinario
Caldes de Montbui (España)
Diciembre de 2017

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Me refiero al impresionismo musical. Debussy (1862-1918) estuvo influenciado en sus primeros años por la música académica francesa, pero también por el exotismo de los gamelanes indonesios, el canto llano medieval y por el ragtime estadounidense. Al mismo tiempo en esa época era un ferviente admirador de Richard Wagner. Pero también buscaba algo nuevo en la expresión musical que encontró en los ambientes artísticos de la pintura impresionista francesa. Esta escuela pictórica derivaría, según algunos, de un cuadro de Claude Monet  titulado «Un amanecer en el mar» que llamó Une impresion. Según otros, derivaría de una cita de un catálogo de cuadros de Édouard Manet, exhibidos en 1867,  en la que  explicaba que la intención del pintor era dar «su impresión». En todo caso, esta escuela de pintura finisecular no buscaba en el arte la expresión de un tema o idea, sino más bien el sentimiento y las impresiones que el tema o la idea despertaban en el artista. Escuchando Debussy las discusiones de los pintores impresionistas, comprendió que estos artistas daban forma a lo que desde hacía mucho tiempo el mismo sentía  instintivamente. Sus ideas sobre pintura eran igualmente aplicables a la música. Los pintores impresionistas no plasmaban en sus telas imágenes objetivas, sino  una impresión exactamente controlada de los colores y la luz que veían sus ojos.

En 1891 Debussy conoció a Erik Satie, un músico bohemio que también le ayudó a definir mejor la búsqueda de su nueva música. Satie era un anti-wagneriano que se rebelaba contra esa música post-romántica alemana de formas tan amplias, de emociones tan excesivas, de superestructuras tan poderosas y de sensualidades inflamadas. Satie buscaba un arte de características francesas, más bien sencillo, refinado, espiritual y sobre todo  escueto, económico y sobrio. Las ideas de Satie fueron para Debussy el complemento de los principios enunciados por los pintores impresionistas y le proporcionaron recursos para crear su innovadora estética musical. En 1893 compuso el cuarteto en sol menor y un año más tarde el Prélude à l’apres-midi d’un faune  (Preludio a la siesta de un fauno), obras  con las que nació el nuevo concepto musical del impresionismo en música. Introdujo novedosas formas de armonía, tonalidad y de escritura orquestal basada en baños de sonoridades, en vez de melodías precisas y definidas. Fue el primero de los grandes pintores de la música. Oscar Thompson dice de él: «es el poeta de brumas y fuentes, nubes y lluvia; del crepúsculo y los rayos de sol que se filtran a través de las hojas; vivió hechizado por la luna y el mar, un alma perdida bajo un cielo tachonado de estrellas. Todos sus sentidos rindieron tributo a su inspiración musical. Tenía conciencia del perfume de un día de verano y podía imaginarse el aroma de una noche andaluza. Al transmutar la naturaleza en armonía, convirtió en sonidos sus propias emociones».

El Preludio a la siesta de un fauno fue estrenado el 22 de diciembre de 1894. Dice Debussy de esta obra: «Es una ilustración muy libre del bello poema de Stéphane Mallarmé que describe los decorados sucesivos a través de los cuales se mueven los deseos y los sueños del Fauno (criatura silvestre mitad muchacho, mitad cabra) durante el calor de la siesta. Después, cansado de perseguir la huída temerosa de las ninfas y de las náyades, se deja vencer por el sueño embriagador repleto de ensueños al fin realizados».

La obra tiene una unidad formal, con un primer tema expuesto por la flauta sola que es el tema del Fauno; un segundo tema confiado al oboe al que sucede una melodía voluptuosa en un unísono de la madera, que se resuelve en un solo de violín muy dulcificado. El Preludio termina con una re-exposición abreviada del tema que parece evaporarse reducido a cuatro notas murmuradas por la flauta como el roce de una caricia.

Para amenizar el texto, en este enlace podréis escuchar el Preludio a la siesta de un fauno por la Orquesta Sinfónica de Boston dirigida por Leonard Bernstein. (12 minutos 49 segundos)

Xavier TORRES RIO
Veterinario
Caldes de Montbui (España)
Abril de 2017

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