El pasado día 6 de junio tuvo lugar la tertulia Marina de Castarlenas en la que Mercè Costa, guía oficial del templo de la Sagrada Familia de Barcelona, nos habló de su experiencia como guía y nos ofreció una visión amplia del templo y su proceso histórico, llena de detalles y anécdotas. Se celebró en la sede del Àrea Cultural Oriol en Santa Coloma de Gramenet.

Reseña de la Tertulia: La Experiencia de Enseñar la Sagrada Familia

Un momento histórico: la culminación de la gran cruz central

El año 2026 marca un hito absolutamente histórico para la Sagrada Familia. En febrero de ese año se finalizó la Torre de Jesucristo. Con la colocación del brazo superior de la gran cruz el 20 de febrero, el templo ha alcanzado su altura máxima de 173,5 metros. Esta estructura monumental, que pesa 100 toneladas y mide 17 metros de altura por 13 de ancho, está completamente limpia de andamios y lista para su bendición y encendido oficial, programada para el día 10 de junio. El evento coincide de lleno con el centenario de la muerte de Antoni Gaudí. Vivir la construcción de una iglesia de estas dimensiones en pleno siglo XXI nos conecta directamente con el espíritu de las catedrales medievales europeas, algo insólito en el mundo contemporáneo.

Los orígenes del templo y el giro genial de Gaudí

El origen de la Sagrada Familia se remonta al año 1860, cuando se aprueba el Plan Cerdà y nace la Asociación de Devotos de Sant Josep. Esta entidad privada, liderada por el promotor Josep María Bocabella, compró una manzana del Eixample para construir un templo parroquial. El proyecto arrancó el 19 de marzo de 1882 bajo la dirección del arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar, quien planteó una iglesia neogótica convencional.

Debido a discrepancias económicas y de materiales, Villar dimitió año y medio después, momento en el que un joven Antoni Gaudí tomó las riendas. Gaudí redefinió por completo el proyecto para convertirlo en una catedral monumental. Terminó la cripta de una forma muy innovadora, abriendo ventanas al exterior para recibir luz natural, y finalizó la fachada del ábside a finales del siglo XIX. Consciente de que no viviría para ver la obra terminada, decidió priorizar y dejar terminada una sola fachada completa que sirviera de modelo para las generaciones futuras: la fachada del Nacimiento. De esta, Gaudí solo vio completada la primera de las cuatro torres, en diciembre de 1925, antes de morir al año siguiente.

Ingeniería de la naturaleza: arcos catenarios y columnas de doble giro

La arquitectura interior de la Sagrada Familia prescinde totalmente de los elementos clásicos del gótico como los contrafuertes, los arbotantes o las claves de bóveda. Gaudí encontró en la naturaleza la inspiración para crear una estructura puramente autoportante basada en el uso de arcos parabólicos y catenarios. Mediante maquetas tridimensionales y complejos sistemas de cuerdas y pesos (banco de pruebas que ya había ensayado con éxito en la Colonia Güell), calculó exactamente cómo canalizar el peso directamente hacia el suelo. Por ese motivo, en el interior del templo todas las columnas están inclinadas.

Dado que las columnas tradicionales habrían sido demasiado gruesas y antiestéticas, Gaudí inventó la ‘columna de doble giro’. Esta estructura nace de una doble hélice que genera ondulaciones y aristas que se multiplican de forma exponencial (de 8 a 16, 32 y 64). El efecto visual es extraordinario: las columnas parecen afinarse y aliviarse a medida que suben, evolucionando desde una base poligonal hacia la perfección geométrica del círculo. El espacio interior emula un bosque protector donde las columnas funcionan como troncos, los capiteles como nudos y las bóvedas como la copa del árbol llena de lucernarios.

Un mosaico de artistas y el reto de la modernidad

El templo ha recibido el legado de múltiples generaciones de artistas que han aportado su visión estética respetando la simbología original. El salvamento de 8.000 fragmentos de las maquetas de Gaudí tras los incendios de la Guerra Civil (gracias a la rápida intervención del arquitecto Lluís Bonet) ha permitido a los profesionales actuales traducir estas ideas tridimensionales a ordenadores y diseños en 3D.

A nivel escultórico, la fachada del Nacimiento cuenta con obras de Busquets en los años cincuenta, de Ros a los setenta, y una intervención muy destacada del escultor japonés Etsuro Sotoo. Establecido en Barcelona desde 1978, Sotoo ha dedicado más de cuarenta y tres años al templo, siendo el autor de los ángeles músicos, los frutos de colores de las cubiertas y las impresionantes puertas de bronce (2014-2015), que recrean con hiperrealismo caracoles, insectos y hojas.

Por su parte, la fachada de la Pasión (orientada al oeste, donde termina el sol y la vida) fue encargada en 1985 a Josep M. Subirachs. Pese a la fuerte polémica y las protestas iniciales de los años ochenta por la ruptura estética, sus figuras angulosas y de gran fuerza expresiva, han quedado perfectamente integradas en el carácter dramático que Gaudí proyectó para este portal.

Luz, música, financiación y el alma de Gaudí

El interior de la Sagrada Familia está pensado para crear una atmósfera espiritual diáfana, sin retablos que tapen el espacio, sino con un baldaquino suspendido y ligero inspirado en lo que Gaudí hizo en la Catedral de Mallorca. Pero si un elemento define el espacio interior es la luz: las vidrieras diseñadas por el pintor Joan Vila Grau hacen que el sol pinte las piedras con colores fríos (azules y verdes) en el lado del Nacimiento y colores cálidos (naranjas y rojos) en el lado de la Pasión, un espectáculo visual que se completó entre 2011 y 2017.

La acústica del templo es otro reto gigantesco. Las cantorías de las naves están diseñadas para acoger un corazón de seiscientas personas distribuidas por el ábside. Dada la distancia de noventa metros respecto al director de la orquesta, hoy en día los cantores deben seguir la dirección de forma técnica a través de cámaras y pantallas de vídeo. También la alta ingeniería actual ha hecho posible las torres actuales colaborando con un equipo de Londres, mediante el sistema innovador de paneles de piedra tensada (bloques unidos a gran presión por barras de hierro internas) resistentes al viento, cuyas piezas se montan previamente en los terrenos exteriores de la Galera.

Finalmente, Mercè Costa revela anécdotas sobre la fuerte identidad catalana de Gaudí, visible incluso en la puerta principal de la Gloria (diseñada por Subirachs), donde el texto del Padre Nuestro aparece en catalán a lo grande y en cincuenta lenguas de fondo, conteniendo las letras «A» y «G» de las iniciales del arquitecto en la cerradura de la puesta. En un sentido histórico, se recuerda cómo la tumba de Gaudí en la cripta fue la única respetada expresamente por orden de los revolucionarios anarquistas en 1936.

Hoy en día, el monumento sigue adelante gracias a una gestión propia donde el 90% de los ingresos anuales (unos 134 millones de euros en 2024) provienen de las entradas de los turistas, garantizando que sean los propios visitantes del mundo quienes financien el sueño final de Gaudí.

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora
Barcelona, España
Julio de 2026

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Quizás, debido a que estoy todavía muy impregnada por la celebración de las fiestas patronales de la ciudad donde vivo, Barcelona (España), me surge escribir sobre la Fiesta. Esta no es propiamente un arte, como se suele hablar en este apartado de la Revista RE, sino un arte menor o efímero, con lo cual cabe reflexionar sobre este hecho que nos hace bien y nos nutre.

En la Fiesta suelen intervenir, como en una miscelánea, tantos elementos distintos como la música, el baile,  la decoración del lugar,  colores, texturas, olores distintos y la comida con la variedad de sabores. Estos son exponentes claros de la diversidad de elementos que la tierra nos puede ofrecer.

Por lo tanto, lo principal es el encuentro de las personas, que se suelen unir con un mismo fin, tanto si es familiar o como social. Pero en la Buena Fiesta, todo el mundo ha de caber: ancianos, jóvenes, niños, de un país o de otro, de cualquier color, de un habla o de otra, pobres o ricos, con una manera de pensar o de otra. Solo el respeto a la dignidad de la persona, el deseo de concordia y las ganas de tener un tiempo de esparcimiento son necesarios.

Qué duda cabe que la fiesta está en el centro de nuestras culturas. Desde la antigüedad tenemos vestigios de la celebración en los distintos pueblos. Por lo general, surge de los momentos de vida que las personas valoran como importantes. El nacimiento de un hijo, el que haya un encuentro de amor, el paso de los años, etcétera.

El deseo del encuentro relacional con personas que sentimos o pensamos lo mismo es innato y de alguna forma imprescindible, ya que el ser humano se reconoce en el otro.

Es interesante observar que el pueblo judío, desde su antigüedad ha presentado múltiples fiestas solemnes (siete) a lo largo de todo el año. Todas arraigadas en el origen dogmático, lo cual implicaría que a Dios le agrada las celebraciones y con las cuales se generan múltiples beneficios.

Cuánto aprenderíamos si fuéramos capaces de vivir en nuestra cotidianidad los valores de la Fiesta auténtica. Y se requiere tan poco para vivirla… no necesitamos lujos, ni gastos extraordinarios, a veces, muchas veces, te encuentras personas que dicen no me puedo casar, ¡porque es muy caro! ¿Caro? ¡Cuando lo único necesario es que las personas se quieran! Desnudemos nuestras fiestas de tanta «apariencia», de tanto despilfarro innecesario, de tantas competitividades entre unos y otros, de tanto orgullo que no lleva a nada.

La celebración en una Fiesta al expresarse como arte, implica crecimiento interno y mutuo, fuerza, contenido y sostén en tantos momentos en que la vida nos talla o nos demanda evolucionar y desarrollarnos como personas.

Montserrat ESPAÑOL DOTRAS
Cantante
Barcelona, España
Junio de 2026

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Desde la sección de arte de la revista Re, queremos hacer homenaje a Alfredo Rubio de Castarlenas, fundador de la revista. El 7 de mayo de 2026 celebramos el 30 aniversario de su muerte, con tal motivo en este número publicamos el poema «Deseo rescatarte. ¿Lo sabías?», escrito por él en septiembre de 1984.

¡Pobre noche!
¿qué han hecho
contigo?
Me traes a jirones
tu enagua de alborada.

Pobre noche, que ayer
cuando ya por la tarde atardecía,
te ibas lenta acicalando
con collares de estrellas
y medallón de Luna
bien bruñida y dorada
sobre tu mejor vestido de terciopelo
azul oscuro
sin mota de polvo ni mancha.

Pero luego, la gente sin sentido,
con sus anuncios de neuróticas
bombillas de colores estridentes
que sin cesar se encienden y se apagan,
oscurece la fina luz
de tus brillantes
y tú
¡ya no los palpas!

Los ángeles caídos
motorizados,
ruidosos,
como cuchillos rasgan
tus silencios preñados
de altísimas palabras.

Y gritos de hombres ebrios
en vanos soliloquios
que pisan sin mirar
esos volantes con encajes
hechos con luz de luna en las aceras
que tú, con gracia, arrastras.

¡Oh noche recoleta!
que te usan de mercado vocinglero
vendiendo amores de latón
y grotescas caricaturas de alegría
mientras otros ofrecen
mil alquimias exóticas
que sólo dan
fugaces sueños irredentos.

¡Qué saben los noctámbulos
que van por cuchitriles
del profundo misterio de tus flores
–jazmines, madreselvas–,
del olor de tus pliegues
–menta, hierbabuena, marialuisa
y mejorana–
que exhalan doble cuando oscuro
por tapias y senderos!

Noche ¡amiga de la infancia!
te van pisoteando
la cola de tu traje
de novia errante.
Y hasta tu escote
mancillarían
si pudiera ser su locura
tan alta.

Tengo mi buena amiga
que rescatarte.
De tanto frenesí vacío
tanta frivolidad
con que te manosean
tus tobillos de nardo
por mostradores
de Pubs,
callejas desdentadas
o en espectáculos que hieren
tu dignidad
mayor que sobrehumana.

Noche hermosa para mirarte
de ojos sin fondo, garzos
que sugieren preguntas
de difícil respuesta.

Yo vivo, sí;
pero tú, di quién eres de verdad.
¿cuál es tu nombre exacto?
¡dónde naciste?
¡qué buscas incansable
día tras día?
¡por qué vuelves a mí
tan puntualmente
cuando al final de cada tarde
suenan a fiesta y a descanso
los relojes de cuarzo puntualísimos!

¿quieres que te acompañe
por barrancas y soledades
o a pasear
con tu talle enlazado
por la húmeda orilla cadenciosa
del mar?
Allí donde tu camafeo
de Luna
se hace de plata.

Noche ¡vente conmigo!
lejos de la ciudad
¡deja que te rescate!
Te prostituyen,
te venden, te aniquilan,
comercian con tus horas,
manipulan tus sombras tan suaves
para perseguir y asaltar
con abiertas navajas.

Hay gente, ¿sabes?, que se muere
en las esquinas
cuando te duermes arropada
en las sábanas nuevas
que el Sol te extiende tan solícito
por tejas y terrazas.

Sí, noche.
Hoy, aún es pronto.
¡Huyamos lejos!
donde no te maltraten; donde todo sea
silencio perfumado
y luz de tus collares.
Sólo tu voz
–susurro de la brisa–
que se torna caricia cuando roza
la piel.

Nos miramos
muy despacio en un lago.
Luego allí cerca, en la hojarasca,
los dos nos dormiremos
y soñaremos a la vez,
lo mismo
hasta que canten
lejanos gallos
y los perros le ladren
al alba
para darnos el tiempo necesario
para que huyamos otra vez
a refugiarnos
bajo la luz.

Y nos citaremos de nuevo
¡oh noche amiga de mi alma!
para hablarnos a solas
y, si más no, a sentir la delicia
de ir muriendo juntos
a cada madrugada.

Alfredo RUBIO DE CASTARLENAS
Capellán, poeta, médico y humanista
Barcelona, España
Mayo de 2026

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Los seres humanos, desde épocas remotas, plasmamos sobre cuevas y paredes acontecimientos importantes para la colectividad. En muchas latitudes del planeta se han encontrado pinturas rupestres que dan cuenta de diversas actividades de la vida prehistórica, destacando la caza y los rituales que la propiciaban. Es decir que se unía en estas manifestaciones artísticas, la necesidad de sobrevivencia material y la dimensión espiritual. Se calculan unos 400 000 vestigios rupestres en todo el planeta, muchos catalogados y protegidos. Al norte de España, en la zona de Cantabria, hay uno de los ejemplos más ricos en arte rupestre en la Cueva de Altamira.

Con el paso de los siglos, los seres humanos pasamos de pintar sobre las rocas de las cuevas a hacerlo sobre los muros de construcciones, principalmente en espacios sagrados o destinados al poder político. Así nacieron las pinturas murales, algunas para representar acontecimientos históricos, otras de tipo religioso y algunas más con motivos simplemente decorativos. En las culturas mesoamericanas destacan frescos como el de Bonampak, en Chiapas. Datan del año 790 y narran escenas de tipo religioso, bélico, artístico y de la vida cotidiana. En la misma pintura se encuentran numerales que han hecho posible saber las fechas a que se refieren los acontecimientos que narran.

Otro caso de pintura mural, pero de temática meramente religiosa, se encuentra en numerosas iglesias y capillas románicas que se extienden por Europa. El arte cristiano encontró en los muros de los espacios sagrados un lugar idóneo para representar la vida y pasión de Jesús, la vida de María, relatos bíblicos, vidas de santas y de santos, entre otros temas que servían para catequizar a las poblaciones. Eran como una Biblia para analfabetas, porque en aquella Edad Media pocas personas sabían leer y, mucho menos, latín. En el Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona, se encuentran muchos exponentes de estas pinturas que nos muestran el románico catalán en su máximo esplendor.

Ya a mediados del siglo XIX, pero sobretodo en el primer tercio del XX, se dio en México un movimiento artístico llamado el Muralismo. Nació como tal en el contexto sociocultural posterior a la Revolución Mexicana (1910-1917) y se caracterizó por una política de apoyo a la educación, el arte y la cultura de los gobiernos post-revolucionarios. Se pretendía poner en valor una nueva identidad mexicana que rescatara el pasado prehispánico, la importante población indígena, los valores rurales y de la clase obrera, así como las tradiciones y costumbres, teniendo como trasfondo una política de izquierda que era la que gobernaba el país en aquella época.

Dentro de los muralistas destacaron “Los tres grandes”: David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco, quienes pintaron importantes espacios políticos, educativos y culturales del país. Junto a ellos también destacan nombres como Juan Cordero, quien fue uno de los precursores del muralismo a mediados del siglo XIX; o Sergio Murillo, mejor conocido como el Dr. Atl, quien es considerado el padre del muralismo moderno e impulsor de los tres grandes y otros artistas más como Roberto Montenegro, Federico Cantú, Xavier Guerrero y Ramón Alva, entre otros.

Un aspecto central del Muralismo es que los artistas que participaban de él rechazaban la posición de que el arte era para una minoría selecta. Por el contrario, ellos creaban por y para el pueblo y las temáticas que abordaban reflejaban su historia, las injusticias que habían padecido y que padecían y destacaban un México indígena y mestizo. El ideal de un nuevo nacionalismo fue plasmándose en los muros de edificios emblemáticos que, hasta la fecha, siguen maravillando a la población local y sus visitantes extranjeros.

El Muralismo mexicano da cuenta de un momento histórico del país, atravesado por tendencias ideológicas y políticas que pretendían ser parteaguas con el pasado inmediato de represión y anulación de gran parte de la población. Por lo mismo, también puede leerse una carga contestataria importante que se radicalizaba en una lucha de clases que pugnaba por el nacimiento de un nuevo México. El arte casi nunca es neutral, cada expresión estética es hija de su momento y responde a las necesidades y a las inquietudes de la sociedad que la hacen nacer. El caso del Muralismo mexicano es un claro ejemplo.

En su momento ayudó a poner imagen a todo un proceso histórico de siglos y a forjar una identidad nacional, encumbrando heroínas y héroes, visibilizando situaciones de abuso de poder y señalando enemigos del pueblo. En nuestros días los muros de muchas ciudades son espacios que vuelven a reflejar el sentir y el pensar de las personas, haciéndose eco de diversas realidades y no sólo de un proyecto único de país. Encontramos mensajes de paz, llamamientos a cuidar el planeta, proclamas por la igualdad de géneros, denuncias por violación a los derechos humanos… Junto con otras expresiones murales cifradas que sólo saben leer colectivos entre los cuales se cruzan grafitis.

Más que un movimiento muralista, tanto en México como en muchas partes del mundo, actualmente existen muralismos: maneras diferentes de tomar las paredes y otras superficies como soporte para plasmar mensajes colectivos provenientes de voces diversas. Ciertamente, un mural es para ser visto por muchos ojos y esto le dará siempre a esta manifestación artística su carácter comunitario. La pluralidad del siglo XIX se deja ver también en los muros de sus ciudades y pueblos.

Javier BUSTAMANTE ENRÍQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Abril de 2026

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Cada perfume es una obra de arte. Más allá de que la perfumería haya evolucionado hasta convertirse en una industria altamente lucrativa, cada perfume contiene un proceso creativo que requiere de imaginación, técnica, experimentación, relato… Hay memoria en las fragancias, así como elección de combinaciones y una intención clara de crear o recrear emociones.

En el diseño de perfumes se emplean procesos creativos semejantes a los de otras artes, como la música o las artes visuales. Además de la técnica propia de esta disciplina. Toda creación, más que gestar cosas de la nada, pone en relación elementos de la realidad en combinaciones nuevas o inéditas. Muchas veces las creaciones surgen como alegorías, inspiraciones, reacciones, continuidad, investigaciones o accidentes. Lo cierto es que la creación aporta nuevas versiones o perspectivas de la realidad como respuesta al momento histórico en que aparecen.

En cuanto a la música, los perfumistas hasta hace muy poco, contaban con un mueble al que llamaban “órgano de perfume”. Actualmente se valen también de la informática en la elaboración de las fórmulas. Este mueble tiene forma de semicírculo con repisas dispuestas en varios niveles, donde se distribuyen ordenadamente las materias primas. El diseño, que hace alusión a un órgano de tubos musical, permite “componer” combinaciones de aromas. En el argot perfumista se habla de los distintos olores como “notas olfativas”, así, cada frasco representa una nota. La combinación de varias notas crea acordes, que vendrían a ser las composiciones que conforman cada uno de los perfumes que conocemos.

Continuando con la manera de diseñar perfumes musicalmente, se habla de que cada elaboración consta de tres notas: la nota de salida, que es la más fresca y la primera que el olfato percibe al abrir el frasco e impregnar el aroma en la piel. Después se revela la nota media o corazón, que es la que da cuerpo a la creación y la que está presente durante más tiempo. Y, por último, la nota de base, que es la residual con la cual el perfume se despide.

En cuanto a la arquitectura del perfume, existen de dos tipos: las fragancias por fases, como la que hemos descrito en el párrafo anterior, y las monolíticas, que son de un solo aroma que se mantiene igual durante el tiempo que permanece.

Para la creación de combinaciones de aromas, los perfumistas se valen del “círculo de fragancias” o “rueda de aromas”. Este dispositivo nos recuerda al círculo cromático que emplean los pintores, diseñadores y en general los artistas visuales. Permite, conceptualmente, crear familias de aromas y ponerlos en relación para conseguir combinaciones equilibradas. O, como mínimo, para orientar las combinaciones en un comienzo permitiendo estructuras que obedecer o que romper, según el estilo creativo del o la perfumista.

En la creación del perfume, así como en su uso, acaban confluyendo el olfato, el gusto –los aromas también se asilan en el paladar–, el tacto y, como hemos visto, el sonido y la vista en su manera de elaborar. Además de las asociaciones emocionales y mentales que produce un aroma. Asociaciones con momentos de la vida, con personas, con mensajes publicitarios, con roles de género, con estatus económicos, con personajes mediáticos.

La palabra perfume proviene del latín per, ‘por’, y fumare, ‘humo’: a través del humo. Hacía referencia, en tiempos muy antiguos, al aroma que desprendía un humo al ser quemadas hierbas o elementos fragantes en él. Se usó originalmente como ofrenda a los dioses, después se fue aplicando a la cosmética corporal, otorgando estatus, hasta que se fue popularizando. Se perfuman no sólo las personas, sino también los espacios y objetos.

Sin embargo, se mantiene fiel a su etimología, ya que el perfume viaja a través del aire emitiendo un mensaje. El lugar de la ofrenda, su altar, es la propia piel desde la cual se desprende para alcanzar el olfato de quienes lo perciban. En la actualidad, el perfume es una proyección de la personalidad de quien lo porta. Viene a ser una declaración de intenciones, a la vez que un espejo donde se refleja el propio ego.

De la industria del perfume hoy en día se derivan, desde el diseño de las botellas y empaques, hasta todo el aparato publicitario y económico. Esto muestra el lugar que ocupa el uso de fragancias en la vida cotidiana. Lugar, sobre todo simbólico, que nos conecta con emociones y recuerdos, interpretando notas de sentido.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Marzo de 2026

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— Buenos días, qué hermoso es el río… se ve limpio y transparente.

— Sí, resulta agradable estar aquí. Hoy hace sol… otros días es más complicado con niebla y frío… y aun así el río es espectacular.

— ¿Quién eres?  O cómo dicen aquí, ¿de quién eres?

— Soy lo que dirían un Ángel, un Espíritu… de hecho ya no necesito nombre.

— No sé por qué, pero no tengo dudas… Capto paz, serenidad, tu voz es armoniosa… ¡Caray…! ¿Ya me vienes a buscar?

— No, tranquilo, todavía no, pero puede ser que algún día sí, y sí que te acompañaré, pero será eso, un acompañamiento; no hay ángeles de la muerte como tú piensas, sólo hay ángeles de vida, de vida por la vida, como un pequeño cambio en el estado de la materia solamente, nada grave.

— Pero, se habla de muerte, de calavera, frialdad… de la nada de nada.

— Sí, los humanos sois extraordinarios en este tema, vuestra expresión va desde la tristeza más profunda a la fiesta más espectacular, pero no, sólo muere quien no quiere vivir y en este punto, en el de la muerte, no hace falta acompañamiento; ya en la vida os limitáis la vida, tenéis miedo, generalmente no justificado, que os limita la vida. Es el miedo a tomar decisiones, el de no hacer, el de no dar el paso; confundís frecuentemente prudencia con miedo y os dejáis llevar por la racionalización excesiva, y no meditáis las cosas. Meditar es vivir, es ser, escuchar la vida, poner atención, conectarse, captar. Es necesario lograr el equilibrio entre realidad y espíritu. La vida os habla en un idioma universal y personalizado, pero la mayoría de vosotros no escucháis.

— Sí, puede que tal vez dediquemos demasiado tiempo a observar, analizar, medir e investigar la realidad… Pensamos y razonamos, y de ahí todas nuestras ciencias, cultura y arte… Hemos conseguido conquistar todos los ecosistemas y salir al espacio exterior, los avances en medicina son hoy en día espectaculares… pero tengo que admitir que no captamos la realidad en toda su dimensión.

— Es que el orden, sin embargo, es otro; la verdad ya está dada y la tenéis a vuestro alcance y, si bien vuestra ciencia y tecnología participan, lo hacen sólo parcialmente. Vuestro egocentrismo os hace pensar y creer que sois la inteligencia suprema, el ombligo del mundo, y os hace falta humildad en la participación. Por poner un ejemplo cercano, en un embarazo se hace presente toda la ciencia y la técnica, toda la bioquímica, la física, todos los estructuralismos posibles, hidráulica, electricidad, etc. Y en nueve meses nace un ser vivo, bien ensamblado, operativo y en continuo proceso de crecimiento; un ser vivo, además, con capacidad de auto repararse y de aprendizaje.

¿Quién puede decir que es un milagro? Para vosotros es milagroso… por ignorancia, pero no, no hay milagro, es una realidad fruto de una inteligencia primera, la original; por eso a pesar de los avances técnicos no llegáis todavía ni a 5% de lo que podríais llegar a saber.

— Lo que me dices es muy potente, es un cambio copernicano del saber de los humanos, ¡somos aprendices! Y todavía nos queda muy lejos la verdad de las cosas, porque nuestras verdades, incluso las más fundamentadas, son parciales; un amigo siempre me dice que él no pondría la mano en el fuego ni su vida para defender sus verdades, porque podría estar equivocado… Así que aún menos por su verdad, pondría la vida de otros en riesgo. Si todos buscamos la verdad nos entenderemos, pero sí sólo atendemos a nuestras verdades, nos dispersaremos en la soledad y el dolor.

— Equivocado no necesariamente, pero no tiene toda la información; de hecho, todas las posibilidades, los humanos sólo la podéis saber parcialmente, de manera consciente; os falta humildad, porque si no el ego os puede… Imagina que pudierais leer la mente de los demás; esto haría imposible la libertad porque hace falta un punto 0, de vacío, para poder fluir, por el movimiento; si no fuera así quedaríais bloqueados, no podría haber diálogo, y la vida es diálogo, diálogo positivo de creación, es vida de vida, es actitud hacia lo positivo.

No hacerlo, sin embargo, es muerte, pero hablamos de muerte de la buena, la del sufrimiento. No es sólo de dejar de existir, también es dejar de ser y por eso no son necesarios esos ángeles de la muerte… ya os lo hacéis todo solitos. El sufrimiento, las injusticias se redimen en el no dejar de ser.

— Uff… ¿muerte de la buena? ¿Mejor buena vida y vida buena no? …. ¡Hey!  ¿ya no estás? Hasta pronto entonces… siento que volverás.

Evarist BOIXEREU PELLICER
Asistente Social
La Pobla de Segur (España), 22 de enero de 2026

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Para las mujeres negras y racializadas, estas cifras no son abstractas: forman parte de una experiencia vital atravesada por múltiples opresiones. El informe anual de la Federación SOS Racismo señala no solo un aumento de denuncias de 347 a 523 en un periodo de cuatro años, sino también cómo estas vivencias se insertan en estructuras más amplias de desigualdad y prejuicio.

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“La restauración del patrimonio artístico, es una disciplina especializada dentro del ámbito de la conservación del patrimonio cultural. Su objetivo principal es conservar y devolver la integridad estética y estructural a las obras de arte, respetando su valor histórico, artístico y cultural”. Con estas palabras de Sílvia Marimon comenzó la Tertulia Marina de Castarlenas el pasado 29 de noviembre.

Sílvia Marimon es una conservadora/restauradora catalana que trabaja interviniendo en piezas de arte de madera policromada, lienzo, piedra y pintura mural, principalmente. Ha tenido la ocasión de trabajar en espacios como la basílica del Pilar en Zaragoza, en el Museo Picasso de Barcelona, en la Iglesia Sant Just i Pastor de Barcelona, en el Claustro de Sant Miquel de Vilafranca del Penedés y en varios lugares de Palma de Mallorca, por destacar algunos.

La Tertulia Marina de Castarlenas es una iniciativa cultural del Ámbito de Arte de la Universitas Albertiana. Nace de recuperar las antiguas tertulias que celebraba la poetiza Marina de Castarlenas, en su piso de Barcelona durante la primera mitad del siglo XX, convocando artistas e intelectuales para conversar y compartir el amor por la cultura. En esta ocasión invitó a la experta Sílvia Marimon para que compartiera su experiencia sobre “La labor del conservador/restaurador del patrimonio artístico”

Una de las ideas clave que Sílvia enfatizó es que la mejor intervención en una pieza de arte patrimonial es la más mínima. Es decir, la que respeta al máximo el estado actual de la pieza, frenando su envejecimiento natural para que no se continúe perdiendo la integridad, pero sin añadir elementos o procedimientos que intenten imitar su estado original.

También destacó que la intervención del conservador restaurador ha de ser siempre reversible, con materiales que no dañen los originales y que un experto pueda detectar. Otro aspecto importante antes de actuar es documentar la pieza y el contexto en que fue creada, así como la historia, tanto de la pieza en sí, como de posibles intervenciones que haya experimentado. Esto ayuda a la hora de tomar decisiones en el proceso y acabado final de la restauración y aporta información a los destinatarios y público que contemple la pieza.

En su exposición puso en valor la figura del conservador restaurador como científico que se vale de conocimientos y técnicas artísticas en su trabajo: “Son indispensables conocimientos técnicos, en historia del arte, química, física, arqueología, estética, entre otros”. Así como el saber y el trabajo interdisciplinar: pintura, escultura, arqueología, documento gráfico y tejido.

Durante su exposición se valió del caso de la conservación/restauración de una talla policromada de gran formato de Santiago peregrino. Una talla barroca de origen desconocido que intervino para unos particulares. En ella trabajó siguiendo sus principios de mínima intervención para frenar su deterioro en cuanto a madera, retirar algunos elementos ajenos a la talla producto de restauraciones no profesionales en el siglo XIX, consolidando la policromía e incorporando el mínimo material que permitiera contemplar la obra de manera armónica.

Después de la exposición, se abrió un tiempo de tertulia para que las y los asistentes pudieran compartir también sus puntos de vista sobre el tema y aportar experiencias sobre la restauración/conservación. Se dieron ejemplos de buenas y malas prácticas en este terreno, se trajeron a colación casos locales y nacionales, lo cual fue creando una visión de conjunto y un saber compartido, tal como serían aquellas tertulias de Marina de Castarlenas hace casi un siglo.

La tertulia tuvo lugar en el Área Cultural Oriol, un espacio de creación y promoción de la cultura con sede en una antigua masía en la ciudad de Santa Coloma de Gramenet, dentro del área metropolitana de Barcelona. Desde el Ámbito de Arte agradecemos al equipo humano del Área Cultural Oriol su generosidad y acogida abriéndonos las puertas para esta actividad. Además de la Tertulia, esta ocasión pudimos apreciar en los muros de la masía la exposición de la pintora Maria Àngels Gispert.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Ámbito de Arte de la Universitas Albertiana
Barcelona, España
Diciembre de 2025

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No se trata de algo extraño, pero hay personas que no perciben ese placer al contemplar la belleza. Yo le llamo placer espiritual, teniendo en cuenta que esa palabra tiene diversas dimensiones, por ejemplo, la espiritualidad referenciada a lo religioso o a lo místico. Para muchos, lo espiritual es aquello que está más allá de lo metafísico o de lo filosófico, que dirían algunos. Es una vivencia que trasciende a la razón y se escapa de ella para provocar unas mociones de paz y bienestar, yo diría del alma, que no es monopolio de los creyentes. Es ese animus que llamaban los presocráticos y que sensibiliza para desconectarte de la pura racionalidad y lanzarte a descubrir unas sensaciones que te hacen sentir una comunión con la naturaleza, con los seres humanos, con los animales, plantas, aguas, luces… y sentir una fuerza interior. La belleza y el bien te transportan a un silencio interior que produce paz, es la paz del espíritu.

En este proceso interior interviene de una manera especial la memoria y el aprendizaje. Es tan necesario aprender a sentir, a bien gozar y a vivenciar.

Incluso con los ojos cerrados para no distraerte, como ocurre cuando escuchas una música o los bellos trinos de los pájaros. Pero la belleza del entorno físico necesita de los ojos que se abren para divisar los movimientos de las luces y las sombras y los colores con tantos matices para gozar del espectáculo del ambiente.

No olvidaré nunca una ocasión única en mis andanzas de pintor de caballete. Era un atardecer en la isla de Santorini, una bella ladera de montaña de casas blancas, alguna estaba coloreada de azul. Al pie de aquel manto de casas, una recortada línea de arena casi invisible porque la tapaban unas rocas que dibujaban una línea de un color ocre con manchas rojizas suaves y el agua del mar. Supe encajar las casitas y sus colores, pero no atinaba a colorear el mar, el sol me traicionaba y me peleaba con los colores de la paleta: aquel azul turquesa más próximo a la playa, más allá el azul cobalto y más allá el célebre azul ultramar y este color fue cambiando de tono a medida que el sol se enrojecía. La línea del infinito yo no atinaba hacerla a mi gusto y, a medida que estaba abstraído, notaba un murmullo de pasos de un gentío que se iba acercando en silencio. Recuerdo que me quité la gorra que uso para proteger mis ojos de la luz del sol, volví la cabeza y me encontré con una multitud de turistas, absortos mirando cómo se escondía el sol, un impresionante silencio durante largo tiempo, hasta que irrumpieron en un aplauso y, otra vez en silencio, se retiraron. Me recordaba una bella canción granadina «con cuatro claveles clavé el aire de mi calle». Cierto, el aire se volvió caricia.

Una expresión que no se usa mucho, por miedo a que te tilden de exagerado es el éxtasis. Una sensación casi orgásmica que en ocasiones puede arrebatar el alma, como les ocurría a algunos santos. Teresa de Jesús lo referenciaba al saborear el infinito amor de Dios. Miguel Ángel la esculpió en mármol con un rostro de éxtasis y de paz. La belleza es capaz de remover el espíritu y soltarte al disfrute emocional al máximo.

Un aforismo latino nulla ethica sine esthetica, es decir, no se concibe la belleza del bien ser sin el bien actuar. La belleza, sentirla, gozarla, vivirla, te moldea el contenido y el sentido de la vida. La ética te abre las puertas al amor. Seguro que a ninguno de aquellos espectadores del atardecer de Santorini se le hubiera ocurrido remover una piedra o un arbusto y menos dar una patada al gato que estaba durmiendo junto a mis pies.

Los neurocientíficos explican el ‘trabajo’ que hacen las neuronas de nuestro cerebro, precisamente las que están situadas en el lóbulo frontal derecho que recogen las emociones y las llevan del hipocampo a la amígdala y estas a la red neuronal del cerebro para dar unas respuestas como las que he descrito.

Esta coletilla al texto que precede es para intentar explicar que la poesía que encierra la emoción nace en un cerebro mágico y a la vez técnico que se elabora en nuestra cabeza y es fruto de la maduración de muchas experiencias del encuentro con sublimes momentos con la belleza. Tratemos bien nuestros sentidos y saquemos partido al cerebro que cuida la imaginación para que alcancemos el gozo y el placer que inundarán de felicidad.

Josep M. FORCADA CASANOVAS
Pintor Paisajista
Barcelona, España
Noviembre de 2025

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La danza, cómo la describiría. Quizás como la capacidad humana de hacer del cuerpo un lugar de creación artística. El cuerpo danzante es escenario, es guion, es intérprete y es espectador, todo a la vez, de esa experiencia estética que llamamos danza. Cuando uno danza, a uno le pasa la danza, le sucede, es un acto que implica a la persona y a la vez la explica. Es decir, una cosa que pasa hacia el interior y hacia el exterior de uno.

Cuando un cuerpo danza, se ponen en conexión las diferentes estructuras, sistemas, órganos, funciones… que lo conforman. Cada célula participa del gesto que emite el cuerpo danzante. Por más alejada que se encuentre dicha célula de la expresión externa del gesto. Y es que, cuando se danza, todo el ser participa de la experiencia.

Y esta conexión de la persona singular también irradia hacia el espacio que la envuelve, hacia las personas que danzan a su lado o que “presencian” el acto, hacia los objetos y, de una manera especial, hacia el suelo. El suelo es un punto importante de conexión de la persona que danza con la realidad. El suelo es el horizonte, es la plataforma de conexión con la Tierra, es donde se contacta con fuerzas físicas como la gravedad. También es el lugar de intersección de la horizontalidad del terreno con la verticalidad del cuerpo.

He hablado de conexión en términos materiales, pero hay una más sutil que transforma un desplazamiento del cuerpo en un gesto o trazo estético: es la consciencia. El saberse aquí y ahora cuando se está danzando, el habitar el presente danzándolo. Cuando el alma danza al unísono con el cuerpo, lo saben desde las uñas de los pies hasta el cabello que se desparrama por el espacio al sacudirlo; desde el párpado que tiembla durante un esfuerzo, hasta la palma de la mano que se relaja durante una transición o un cambio de peso. La consciencia corporal que confirma que el todo es parte de la parte y que la parte lo es todo para el todo. Como un efecto mariposa.

Respirar también es fundamental para la danza. No sólo extraer aire de la atmósfera para llevarlo al interior del cuerpo y que este sobreviva. Así como el suelo es muy importante porque nos sitúa en la tierra, respirar nos conecta con el latido de la vida a través del aire, del espacio abierto y fluido, del cielo. Cuando inspiramos enviamos información de vida a todo el ser que somos. Cuando expiramos soltamos, nos desprendemos, desaprendemos lo que somos para reaprender de lo que no somos. Se genera así esa conexión con lo otro, con lo que no soy yo, pero que respirando forma parte de mí también. Respirar produce ritmo. El ritmo, la repetición es esencial para la vida: las estaciones del año, los días y las noches, los hábitos… generan una base rítmica que traducida en danza se vuelve material estético. Caminar, tan básico para la persona que danza, es efecto del ritmo. El caminar es reflejo de cómo respiramos.

Por último, quisiera añadir a estas notas sueltas sobre danza una frase bellísima que la coreógrafa Pina Bausch dijera al bailarín Pau Aran: “danza por amor”. No se puede danzar sin amor o sin la inabarcable gama de matices del amor. No se puede danzar sin sentir. Como tampoco se puede danzar sin un sentido. Aunque el único sentido sea el de sentirse vivo. Danzar por amor a uno y a las demás personas. Cuando una bailarina o bailarín se para sobre un escenario –ya sea un teatro o en medio de la calle–, está pisando territorio sagrado. Lo que ahí está por suceder es una experiencia que comunica vida en todas direcciones. Cuando se danza amando, ese acto se transforma en belleza.

Dancemos: cuando vayamos por la calle, sentados en el trabajo, cocinando, a solas y en silencio, en una sala de baile, presenciando un espectáculo de danza. Dancemos: nos hará más felices, incluso personas más solidarias.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Octubre de 2025

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