Esta forma de entender el arte conecta con la propuesta de la escritora estadounidense Julia Cameron, autora del libro El Camino del Artista. Desde hace más de tres décadas sostiene que la creatividad no es un don reservado a unos pocos, sino una capacidad humana que puede recuperarse cuando dejamos de lado el miedo, el perfeccionismo y la idea de que solo merece la pena crear si el resultado es extraordinario.
Su propuesta ha inspirado a miles de personas en todo el mundo y coincide con una idea sencilla: crear también es una manera de conocerse.

La UNESCO también ha destacado el papel del arte como herramienta para fortalecer la resiliencia individual y colectiva, especialmente en tiempos de crisis. Crear no elimina el sufrimiento, pero puede ofrecer nuevas formas de comprenderlo, compartirlo y transformarlo.

Esperanza
Desde la tradición cristiana, el acto de crear posee además un significado profundamente humano. La Biblia presenta al ser humano como imagen de un Dios creador. Bajo esta mirada, la creatividad no consiste únicamente en producir algo bello; significa participar en esa capacidad de transformar la realidad, descubrir sentido en medio de la dificultad y abrir caminos de esperanza donde parecía imponerse el silencio.
Quizá por eso el arte sigue conmoviendo tanto. Porque no nace de la perfección, sino de la experiencia humana.

Las mujeres que hoy participan en proyectos como los impulsados por Petra Vlasmann probablemente no piensen que están cambiando el mundo mientras recortan fotografías, mezclan colores o construyen un collage. Sin embargo, en cada encuentro ocurre algo que va mucho más allá del resultado artístico.
Se fortalecen la autoestima, la confianza y el sentido de pertenencia. Se crean vínculos. Se escuchan historias. Se recuperan voces que durante mucho tiempo permanecieron en silencio.
Tal vez esa sea la mayor fuerza del arte: recordar que toda persona tiene algo valioso que expresar.

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Quizás, debido a que estoy todavía muy impregnada por la celebración de las fiestas patronales de la ciudad donde vivo, Barcelona (España), me surge escribir sobre la Fiesta. Esta no es propiamente un arte, como se suele hablar en este apartado de la Revista RE, sino un arte menor o efímero, con lo cual cabe reflexionar sobre este hecho que nos hace bien y nos nutre.

En la Fiesta suelen intervenir, como en una miscelánea, tantos elementos distintos como la música, el baile,  la decoración del lugar,  colores, texturas, olores distintos y la comida con la variedad de sabores. Estos son exponentes claros de la diversidad de elementos que la tierra nos puede ofrecer.

Por lo tanto, lo principal es el encuentro de las personas, que se suelen unir con un mismo fin, tanto si es familiar o como social. Pero en la Buena Fiesta, todo el mundo ha de caber: ancianos, jóvenes, niños, de un país o de otro, de cualquier color, de un habla o de otra, pobres o ricos, con una manera de pensar o de otra. Solo el respeto a la dignidad de la persona, el deseo de concordia y las ganas de tener un tiempo de esparcimiento son necesarios.

Qué duda cabe que la fiesta está en el centro de nuestras culturas. Desde la antigüedad tenemos vestigios de la celebración en los distintos pueblos. Por lo general, surge de los momentos de vida que las personas valoran como importantes. El nacimiento de un hijo, el que haya un encuentro de amor, el paso de los años, etcétera.

El deseo del encuentro relacional con personas que sentimos o pensamos lo mismo es innato y de alguna forma imprescindible, ya que el ser humano se reconoce en el otro.

Es interesante observar que el pueblo judío, desde su antigüedad ha presentado múltiples fiestas solemnes (siete) a lo largo de todo el año. Todas arraigadas en el origen dogmático, lo cual implicaría que a Dios le agrada las celebraciones y con las cuales se generan múltiples beneficios.

Cuánto aprenderíamos si fuéramos capaces de vivir en nuestra cotidianidad los valores de la Fiesta auténtica. Y se requiere tan poco para vivirla… no necesitamos lujos, ni gastos extraordinarios, a veces, muchas veces, te encuentras personas que dicen no me puedo casar, ¡porque es muy caro! ¿Caro? ¡Cuando lo único necesario es que las personas se quieran! Desnudemos nuestras fiestas de tanta «apariencia», de tanto despilfarro innecesario, de tantas competitividades entre unos y otros, de tanto orgullo que no lleva a nada.

La celebración en una Fiesta al expresarse como arte, implica crecimiento interno y mutuo, fuerza, contenido y sostén en tantos momentos en que la vida nos talla o nos demanda evolucionar y desarrollarnos como personas.

Montserrat ESPAÑOL DOTRAS
Cantante
Barcelona, España
Junio de 2026

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Cada perfume es una obra de arte. Más allá de que la perfumería haya evolucionado hasta convertirse en una industria altamente lucrativa, cada perfume contiene un proceso creativo que requiere de imaginación, técnica, experimentación, relato… Hay memoria en las fragancias, así como elección de combinaciones y una intención clara de crear o recrear emociones.

En el diseño de perfumes se emplean procesos creativos semejantes a los de otras artes, como la música o las artes visuales. Además de la técnica propia de esta disciplina. Toda creación, más que gestar cosas de la nada, pone en relación elementos de la realidad en combinaciones nuevas o inéditas. Muchas veces las creaciones surgen como alegorías, inspiraciones, reacciones, continuidad, investigaciones o accidentes. Lo cierto es que la creación aporta nuevas versiones o perspectivas de la realidad como respuesta al momento histórico en que aparecen.

En cuanto a la música, los perfumistas hasta hace muy poco, contaban con un mueble al que llamaban “órgano de perfume”. Actualmente se valen también de la informática en la elaboración de las fórmulas. Este mueble tiene forma de semicírculo con repisas dispuestas en varios niveles, donde se distribuyen ordenadamente las materias primas. El diseño, que hace alusión a un órgano de tubos musical, permite “componer” combinaciones de aromas. En el argot perfumista se habla de los distintos olores como “notas olfativas”, así, cada frasco representa una nota. La combinación de varias notas crea acordes, que vendrían a ser las composiciones que conforman cada uno de los perfumes que conocemos.

Continuando con la manera de diseñar perfumes musicalmente, se habla de que cada elaboración consta de tres notas: la nota de salida, que es la más fresca y la primera que el olfato percibe al abrir el frasco e impregnar el aroma en la piel. Después se revela la nota media o corazón, que es la que da cuerpo a la creación y la que está presente durante más tiempo. Y, por último, la nota de base, que es la residual con la cual el perfume se despide.

En cuanto a la arquitectura del perfume, existen de dos tipos: las fragancias por fases, como la que hemos descrito en el párrafo anterior, y las monolíticas, que son de un solo aroma que se mantiene igual durante el tiempo que permanece.

Para la creación de combinaciones de aromas, los perfumistas se valen del “círculo de fragancias” o “rueda de aromas”. Este dispositivo nos recuerda al círculo cromático que emplean los pintores, diseñadores y en general los artistas visuales. Permite, conceptualmente, crear familias de aromas y ponerlos en relación para conseguir combinaciones equilibradas. O, como mínimo, para orientar las combinaciones en un comienzo permitiendo estructuras que obedecer o que romper, según el estilo creativo del o la perfumista.

En la creación del perfume, así como en su uso, acaban confluyendo el olfato, el gusto –los aromas también se asilan en el paladar–, el tacto y, como hemos visto, el sonido y la vista en su manera de elaborar. Además de las asociaciones emocionales y mentales que produce un aroma. Asociaciones con momentos de la vida, con personas, con mensajes publicitarios, con roles de género, con estatus económicos, con personajes mediáticos.

La palabra perfume proviene del latín per, ‘por’, y fumare, ‘humo’: a través del humo. Hacía referencia, en tiempos muy antiguos, al aroma que desprendía un humo al ser quemadas hierbas o elementos fragantes en él. Se usó originalmente como ofrenda a los dioses, después se fue aplicando a la cosmética corporal, otorgando estatus, hasta que se fue popularizando. Se perfuman no sólo las personas, sino también los espacios y objetos.

Sin embargo, se mantiene fiel a su etimología, ya que el perfume viaja a través del aire emitiendo un mensaje. El lugar de la ofrenda, su altar, es la propia piel desde la cual se desprende para alcanzar el olfato de quienes lo perciban. En la actualidad, el perfume es una proyección de la personalidad de quien lo porta. Viene a ser una declaración de intenciones, a la vez que un espejo donde se refleja el propio ego.

De la industria del perfume hoy en día se derivan, desde el diseño de las botellas y empaques, hasta todo el aparato publicitario y económico. Esto muestra el lugar que ocupa el uso de fragancias en la vida cotidiana. Lugar, sobre todo simbólico, que nos conecta con emociones y recuerdos, interpretando notas de sentido.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Marzo de 2026

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— Buenos días, qué hermoso es el río… se ve limpio y transparente.

— Sí, resulta agradable estar aquí. Hoy hace sol… otros días es más complicado con niebla y frío… y aun así el río es espectacular.

— ¿Quién eres?  O cómo dicen aquí, ¿de quién eres?

— Soy lo que dirían un Ángel, un Espíritu… de hecho ya no necesito nombre.

— No sé por qué, pero no tengo dudas… Capto paz, serenidad, tu voz es armoniosa… ¡Caray…! ¿Ya me vienes a buscar?

— No, tranquilo, todavía no, pero puede ser que algún día sí, y sí que te acompañaré, pero será eso, un acompañamiento; no hay ángeles de la muerte como tú piensas, sólo hay ángeles de vida, de vida por la vida, como un pequeño cambio en el estado de la materia solamente, nada grave.

— Pero, se habla de muerte, de calavera, frialdad… de la nada de nada.

— Sí, los humanos sois extraordinarios en este tema, vuestra expresión va desde la tristeza más profunda a la fiesta más espectacular, pero no, sólo muere quien no quiere vivir y en este punto, en el de la muerte, no hace falta acompañamiento; ya en la vida os limitáis la vida, tenéis miedo, generalmente no justificado, que os limita la vida. Es el miedo a tomar decisiones, el de no hacer, el de no dar el paso; confundís frecuentemente prudencia con miedo y os dejáis llevar por la racionalización excesiva, y no meditáis las cosas. Meditar es vivir, es ser, escuchar la vida, poner atención, conectarse, captar. Es necesario lograr el equilibrio entre realidad y espíritu. La vida os habla en un idioma universal y personalizado, pero la mayoría de vosotros no escucháis.

— Sí, puede que tal vez dediquemos demasiado tiempo a observar, analizar, medir e investigar la realidad… Pensamos y razonamos, y de ahí todas nuestras ciencias, cultura y arte… Hemos conseguido conquistar todos los ecosistemas y salir al espacio exterior, los avances en medicina son hoy en día espectaculares… pero tengo que admitir que no captamos la realidad en toda su dimensión.

— Es que el orden, sin embargo, es otro; la verdad ya está dada y la tenéis a vuestro alcance y, si bien vuestra ciencia y tecnología participan, lo hacen sólo parcialmente. Vuestro egocentrismo os hace pensar y creer que sois la inteligencia suprema, el ombligo del mundo, y os hace falta humildad en la participación. Por poner un ejemplo cercano, en un embarazo se hace presente toda la ciencia y la técnica, toda la bioquímica, la física, todos los estructuralismos posibles, hidráulica, electricidad, etc. Y en nueve meses nace un ser vivo, bien ensamblado, operativo y en continuo proceso de crecimiento; un ser vivo, además, con capacidad de auto repararse y de aprendizaje.

¿Quién puede decir que es un milagro? Para vosotros es milagroso… por ignorancia, pero no, no hay milagro, es una realidad fruto de una inteligencia primera, la original; por eso a pesar de los avances técnicos no llegáis todavía ni a 5% de lo que podríais llegar a saber.

— Lo que me dices es muy potente, es un cambio copernicano del saber de los humanos, ¡somos aprendices! Y todavía nos queda muy lejos la verdad de las cosas, porque nuestras verdades, incluso las más fundamentadas, son parciales; un amigo siempre me dice que él no pondría la mano en el fuego ni su vida para defender sus verdades, porque podría estar equivocado… Así que aún menos por su verdad, pondría la vida de otros en riesgo. Si todos buscamos la verdad nos entenderemos, pero sí sólo atendemos a nuestras verdades, nos dispersaremos en la soledad y el dolor.

— Equivocado no necesariamente, pero no tiene toda la información; de hecho, todas las posibilidades, los humanos sólo la podéis saber parcialmente, de manera consciente; os falta humildad, porque si no el ego os puede… Imagina que pudierais leer la mente de los demás; esto haría imposible la libertad porque hace falta un punto 0, de vacío, para poder fluir, por el movimiento; si no fuera así quedaríais bloqueados, no podría haber diálogo, y la vida es diálogo, diálogo positivo de creación, es vida de vida, es actitud hacia lo positivo.

No hacerlo, sin embargo, es muerte, pero hablamos de muerte de la buena, la del sufrimiento. No es sólo de dejar de existir, también es dejar de ser y por eso no son necesarios esos ángeles de la muerte… ya os lo hacéis todo solitos. El sufrimiento, las injusticias se redimen en el no dejar de ser.

— Uff… ¿muerte de la buena? ¿Mejor buena vida y vida buena no? …. ¡Hey!  ¿ya no estás? Hasta pronto entonces… siento que volverás.

Evarist BOIXEREU PELLICER
Asistente Social
La Pobla de Segur (España), 22 de enero de 2026

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La danza, cómo la describiría. Quizás como la capacidad humana de hacer del cuerpo un lugar de creación artística. El cuerpo danzante es escenario, es guion, es intérprete y es espectador, todo a la vez, de esa experiencia estética que llamamos danza. Cuando uno danza, a uno le pasa la danza, le sucede, es un acto que implica a la persona y a la vez la explica. Es decir, una cosa que pasa hacia el interior y hacia el exterior de uno.

Cuando un cuerpo danza, se ponen en conexión las diferentes estructuras, sistemas, órganos, funciones… que lo conforman. Cada célula participa del gesto que emite el cuerpo danzante. Por más alejada que se encuentre dicha célula de la expresión externa del gesto. Y es que, cuando se danza, todo el ser participa de la experiencia.

Y esta conexión de la persona singular también irradia hacia el espacio que la envuelve, hacia las personas que danzan a su lado o que “presencian” el acto, hacia los objetos y, de una manera especial, hacia el suelo. El suelo es un punto importante de conexión de la persona que danza con la realidad. El suelo es el horizonte, es la plataforma de conexión con la Tierra, es donde se contacta con fuerzas físicas como la gravedad. También es el lugar de intersección de la horizontalidad del terreno con la verticalidad del cuerpo.

He hablado de conexión en términos materiales, pero hay una más sutil que transforma un desplazamiento del cuerpo en un gesto o trazo estético: es la consciencia. El saberse aquí y ahora cuando se está danzando, el habitar el presente danzándolo. Cuando el alma danza al unísono con el cuerpo, lo saben desde las uñas de los pies hasta el cabello que se desparrama por el espacio al sacudirlo; desde el párpado que tiembla durante un esfuerzo, hasta la palma de la mano que se relaja durante una transición o un cambio de peso. La consciencia corporal que confirma que el todo es parte de la parte y que la parte lo es todo para el todo. Como un efecto mariposa.

Respirar también es fundamental para la danza. No sólo extraer aire de la atmósfera para llevarlo al interior del cuerpo y que este sobreviva. Así como el suelo es muy importante porque nos sitúa en la tierra, respirar nos conecta con el latido de la vida a través del aire, del espacio abierto y fluido, del cielo. Cuando inspiramos enviamos información de vida a todo el ser que somos. Cuando expiramos soltamos, nos desprendemos, desaprendemos lo que somos para reaprender de lo que no somos. Se genera así esa conexión con lo otro, con lo que no soy yo, pero que respirando forma parte de mí también. Respirar produce ritmo. El ritmo, la repetición es esencial para la vida: las estaciones del año, los días y las noches, los hábitos… generan una base rítmica que traducida en danza se vuelve material estético. Caminar, tan básico para la persona que danza, es efecto del ritmo. El caminar es reflejo de cómo respiramos.

Por último, quisiera añadir a estas notas sueltas sobre danza una frase bellísima que la coreógrafa Pina Bausch dijera al bailarín Pau Aran: “danza por amor”. No se puede danzar sin amor o sin la inabarcable gama de matices del amor. No se puede danzar sin sentir. Como tampoco se puede danzar sin un sentido. Aunque el único sentido sea el de sentirse vivo. Danzar por amor a uno y a las demás personas. Cuando una bailarina o bailarín se para sobre un escenario –ya sea un teatro o en medio de la calle–, está pisando territorio sagrado. Lo que ahí está por suceder es una experiencia que comunica vida en todas direcciones. Cuando se danza amando, ese acto se transforma en belleza.

Dancemos: cuando vayamos por la calle, sentados en el trabajo, cocinando, a solas y en silencio, en una sala de baile, presenciando un espectáculo de danza. Dancemos: nos hará más felices, incluso personas más solidarias.

Javier BUSTAMANTE ENRIQUEZ
Poeta
Ciudad de México, México
Octubre de 2025

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Durante estos meses, cada semana hemos podido ser testimonios de cómo vidas, que alguien ha decidido romper, ir dañando día a día, casi hasta que la persona víctima de tal crueldad pueda acostumbrarse a ese sufrimiento hasta casi pensar que forma parte de la normalidad, incluso que ella es la responsable de lo que sucede y que, como no puede cambiar, pues igual hasta lo merece.

Escuchando los relatos en primera persona una se sorprende descubriendo la valentía de aquella que se ha dejado anular en algunos momentos, por otra persona que, seguramente no tiene ni la décima parte del valor que ella para sostener la vida.

Y toca seguir adelante porque la vida no permite bajarse, hay que continuar y hacerlo sosteniendo la cotidianidad, la vida laboral, las hijas e hijos, lo social, …. todo ello mientras por dentro corren lágrimas de dolor y de miedo, vergüenza, impotencia, sin embargo, siguen adelante y lo hacen con fuerza y brillo.

En la última sesión pudimos regalarles una reproducción de un libro artístico, “El hilo rojo del destino” de una artista novel que plasmó en él su proceso de transformación, en el mismo espacio y tiempo, paralelamente al grupo y que plasma de manera brillante el paso del dolor y la anulación a la posibilidad de generar fruto para el entorno y ser semilla de transformación para una misma y para otras y otros.

Acompañar procesos es siempre un regalo y, en este caso, ofrece la lección de saberse agradecida por estar aquí y por poder presenciar el milagro de la transformación que hace brotar vida de allí donde parecía que sólo había dolor y muerte.

Gracias a cada una de vosotras por este caminar.

Esther BORREGO LINARES
Trabajadora social
Barcelona
Enero de 2025

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Una actividad manual que explota nuestras posibilidades de imaginación en el campo de los vitrales, más concretamente en el fushing (fundir vidrio).

«La vejez no debe vivirse mirando al pasado, sino programando la propia actividad para el tiempo que queda, ya sea un día, un mes o varios años, con la esperanza de poder realizar proyectos que no había sido posible llevar a cabo durante los años mozos». Rita Levi Montalcini, neuróloga, premio Nobel de medicina en 1926.

«La curiosidad es el elixir que nos permite envejecer con pasión y donde podemos sentir la alegría que nos aportan nuevos descubrimientos». Elvira Lindo, escritora de novelas infantiles.

Me cuesta muy poco empatizar con esta línea de argumento constructivo de lo que debe ser la búsqueda de nuestra identidad en esta fase de la vida, en la que ya estamos liberados de toda responsabilidad profesional, el resto del tiempo… todo para nosotros y pienso que la vida construida, la argamasa de la felicidad construida ahora puede incluir aspectos creativos.

Trabajar el cristal me lleva a la meditación y la meditación a la oración.

Todas estas introducciones me van bien para empezar este artículo, porque todas ellas nos animan a utilizar el tiempo que la jubilación nos brinda y todas ilustran perfectamente el origen de mi ilusión al aprender a elaborar estas pequeñas obras de arte (al menos a mí me lo parecen) en el campo de los vitrales, concretamente con la técnica del fushing (vidrio fundido). Ciertamente y antes de conocer esta técnica, es necesario aprender otras formas de trabajar el vidrio, los vitrales, ya sea emplomados (los que todos conocemos y vemos en las catedrales) o los encintados con cinta de cobre que se conoce como Tiffany. Esta modalidad se utiliza para pequeños vitrales ya que a diferencia de los emplomados tienen poca resistencia al no tener la estructura de plomo que las soporte.

Trabajar con cristal requiere la guía y asesoramiento de un profesional que cuide tu aprendizaje (como cualquier actividad de la vida, si la quieres hacer bien), si bien tengo que decir que rápidamente se alcanzan los mínimos para trabajar con seguridad. No hace falta tener grandes habilidades, en todo caso la paciencia y el cuidado (son cristales), también la constancia y el aprecio se convierten en herramientas imprescindibles para trabajar sin sustos. A partir de aquí y a medida que de tus manos salen figuras te ves con la capacidad de subir el nivel de dificultad en la elaboración de estas pequeñas obras de arte. Los momentos de disfrute son muchos; seleccionar el modelo, elegir los colores, preparar los cristales y cortarlos, pulirlos y a partir de ahí decidir si el método es de emplomado, Tiffany o fushing. Personalmente, y después de hacer bastantes de uno y otro he encontrado más ilusionante trabajar con la fusión de vidrio. La razón es muy clara para mí, una vez terminada la obra, con todas las dificultades, pero también con toda la ilusión, es necesario pasarla al horno. Allí dentro se produce un pequeño milagro, después de unas horas a más de 400º aquellos recortes de vidrio cortados a mano y con irregularidades, con algunos defectos entre las diversas piezas que forman la figura, salen con una textura diferente, como si de una joya se tratase, los cantos vivos se han redondeado, ya no hieren al tocarlos, se ha dulcificado la figura y acariciarlos con la mano es mágico, se ha transformado. La preparación de la figura es un trabajo que hay que realizar, de hecho, es nuestro trabajo en este campo creativo que hemos escogido, pero la acción del horno ha transformado completamente esta joya.

Es lo mismo que nos ocurre en la vida, en la cotidianidad del día a día, en el propio entorno familiar y social, las personas que amamos y nos aman y con las que hacemos camino. Aquellos que son responsabilidad ineludible de atender en su inquietud, en sus dificultades, sin invadir su espacio y evitando protagonismo y siempre si somos requeridos, nunca entrando sin su permiso. Cuidando de no hacer daño ni de sufrirlo. Hay que atender de la misma forma que trabajamos el vidrio, con paciencia y cuidado, para no herir a la persona (la obra) ni de dañar a nadie, pero sin miedos.

Permanecer atentos y sensibles al entorno no es negociable, hay que estar y escuchar, pero también hay que diseñar el umbral de las propias posibilidades y obrar en consecuencia si procede. Cuando escogemos qué vitral hacer, sopesamos con qué dificultades nos podremos encontrar, puede ser que perfectamente no estemos capacitados para alcanzar ese nivel de dificultad, todavía.

Ante estas situaciones siempre podremos pedir ayuda, no hay ninguna sabiduría en asumir niveles de incompetencia, pero si de humildad al buscar aquella ayuda útil, sin olvidar que hay un bien superior que nos trasciende y que allá donde no llegamos nosotros llegará él. Creo honestamente que la mejor aportación que podemos realizar cuando somos requeridos es aplicar la misma técnica que hacemos con el fushing; reunir con interés y devoción las piezas, cortarlas lo mejor que podamos, cuidarlas y que no se rompan durante el proceso, cuidar de no sufrir daño y últimamente ensamblarlas entre ellas para entrar en el horno, esto es todo lo que podemos hacer, el horno se encarga de unir entre sí los diferentes cristales, pulirá los cantos, dulcificará las formas y la tonalidad de la joya adquirirá un brillo especial. La joya ya está lista.

Si nos damos cuenta, es lo mismo que hace Dios, espera que nosotros hagamos nuestro trabajo, llevar su Reino, el Reino de la compasión y la alegría, que vivamos en él y nos dejemos transformar… el resto ya lo hace él… exactamente como hace el horno con nuestro vitral. Esto hace que todos podamos mirar la vida y darnos cuenta de lo agradable que es su contemplación (como el vitral), es la prueba de que la joya (la vida) nos ha quedado bonita.

Carles ABARCA CAMPS
Aparejador
Girona (España)
Diciembre de 2024

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Más allá de los límites del asombro: Caspar D. Friedrich y Anton Bruckner

Al celebrarse en septiembre de este año el 250 aniversario del pintor sueco-alemán Caspar David Friedrich (1774-1840) así como el segundo centenario del compositor austriaco Anton Bruckner (1824-1896), la crítica ecuánime ha querido rendir, a cada uno en especial, un justo tributo que revalorice el destacado aporte artístico y rehumanizador de su obra. Con el fin de resaltar su trascendente alcance queríamos aquí hacer eco a este homenaje, pues de la valía de estos autores, lamentablemente, se quiso beneficiar la nefasta ideología nacional-socialista alemana que tergiversó su mensaje; esto llevó a que su obra quedara distorsionada durante muchas décadas, y a que cayera injustamente en declive el inmenso y fulgurante significado que la contemplación de las obras de estos dos autores nos sugiere, en especial la amplia y sobrecogedora obra musical de Bruckner.

En una desprevenida primera apreciación de sus obras, lo que quizás primero resalta es nuestro sentimiento de asombro. Seguramente estos célebres artistas querían despertar en todo aquel que contemplase su obra esta emoción crucial que es deliberadamente opuesta a la fría razón especulativa de los filósofos de la Ilustración y del Idealismo alemán que reducía y encorsetaba el conocimiento humano dentro de los límites de la mera razón. Es precisamente esta intención que lleva hacia el asombro, característica del movimiento literario y artístico Sturm und Drang (“tormenta e ímpetu”) precursor del Romanticismo, la que conduciría espiritualmente a ambos artistas: hacia principios del s. XIX, a una intensa exploración expresiva de Friedrich, reconocido más tarde como el más importante pintor del Romanticismo alemán; y, mucho más tardíamente, la grandiosa expansividad musical de Bruckner, la cual, en su carácter más filosófico, concordaría con la autenticidad del existencialismo cristiano de Soren Kierkegaard.

Es así, como de un modo filosóficamente coincidente, nos encontramos con la pregunta inicial “¿A ti qué te suscita asombro?”, del escritor noruego Jostein Gaarder con la que comienza su novela best seller de iniciación filosófica, El mundo de Sofía (1991), traducida a 63 idiomas. Desde el comienzo, el autor busca suscitar en una adolescente una vía misteriosa de apertura al conocimiento esencial. El asombro vendría a ser ese punto de partida idóneo desde el que cada quien podría concentrar su atención para adentrarse en aquello que tiene la mayor significancia para sí mismo.

Ese es también quizás el cometido que perseguían estos dos artistas en todas sus obras, y que podría plasmarse en la pregunta: “¿Qué podrías ver/oir más allá del límite del asombro?”. Esto lo vemos expresado en sus obras más emblemáticas y concluyentes: El caminante sobre el mar de nubes, óleo sobre lienzo de Friedrich (Dresde, Alemania, 1818) y la Novena Sinfonía de Anton Bruckner, o Inconclusa, (Viena, Austria, 1896, el mismo año de su fallecimiento).

Esta pintura de Friedrich (74,8 cm. por 94,8 cm.) presenta un hombre, presumiblemente él mismo, contemplando extasiado un paisaje real en Riesengebirge (Montañas de los Gigantes) en donde las nubes se extienden como un manto que cubre la inmensidad y se mimetiza en ella. En realidad las personas que aparecen en sus casi 300 obras conservadas, él las pinta siempre de espaldas en actitud contemplativa o de asombro interrogativo –para evitar así su protagonismo–, pero al mismo tiempo aparecen erguidas sobre grandes rocas que representan su firme e imperturbable fe. Tal como él lo percibe, la presencia trascendente de Dios se aprecia especialmente en la grandiosidad de la naturaleza, en las nubes y en las altas montañas, mientras que la nieve y los abetos simbolizan la resurrección y la esperanza; de este modo, en todo el formidable conjunto de la mayoría de sus obras percibimos el advenimiento místico de la vida eterna y bienaventurada.

De una manera similar, Anton Bruckner, con quien finaliza el Romanticismo tardío y se inicia el Modernismo, expresa incluso con una mayor profundidad este grandioso asombro ante la existencia personal inmersa en el cosmos, que se sustenta y se funde en el misterio que emana del poder de Dios. Esto lo consigue especialmente en su última obra, su novena sinfonía, magnífico compendio de toda su trayectoria, y que es una proyección de su misticismo, honda vivencia católica que es coherente con su sencillez y humildad. Bruckner, en un constante ascetismo personal, consideraba siempre a los demás superiores a él en talento y virtud; y quizás esto le llevó a imprimirle un sentido trascendente pero técnicamente innovador a su creación.

El primer movimiento de su sinfonía maestra, Bruckner lo titula justamente Solemne, Misterioso. Las notas de los instrumentos, muy largas, intensas y vibrantes, se traslapan unas a otras como olas marinas sobrepuestas, y al final logran integrarse envolviéndonos y transportándonos en un crescendo continuo hacia una intensidad ‘sobrehumana’ abierta, como si nos condujese al borde del infinito. En el segundo movimiento, vivo scerzo, un aplastante martilleo dentro de una atmósfera extraordinariamente sofocante nos recuerda nuestra pobre condición errática y efímera. El Adagio lentísimo y solemne del tercer movimiento termina en una ascendente y poderosa resolución de todos los instrumentos: el mundo terrestre, entreabriendo apoteósicamente las puertas de la eternidad, parece abolirse para dar paso al advenimiento de la gloria divina. En este punto, Bruckner enfrentaría el dilema de intentar un adecuado fin a su cuarto movimiento, pues al saber que moriría sin conseguirlo debido a la dificultad interpretativa que supondría, sugirió que su sinfonía se concluyera coralmente con su Te Deum (‘A ti Dios’, himno atribuido a S. Ambrosio y S. Agustín). Este recurso sinfónico coral ya lo había logrado antes genialmente Beethoven cuando musicó en el cuarto movimiento de su Novena Sinfonía el poema de Friedrich von Schiller, La oda a la alegría.

Esta invitación al asombro nos aproxima al misterio divino que trasciende nuestra existencia cuando contemplamos absortos la naturaleza dentro de la que nos vemos ínfimamente reflejados (Friedrich), o cuando escuchamos extasiados la conmovedora música que nos transporta hacia la inmensidad del universo que nos absorbe (Bruckner). Ambas –una como lienzo y marco abisal y otra como musical plataforma orquestal apoteósica– sirven a ese individual y personalísimo maravillarnos de estar existiendo aquí y ahora en este mundo –lo que simultáneamente nos humildea cuando reconocemos contingencialmente que podíamos-no-haber-existido–, que es en lo que Alfredo Rubio nos hace caer en cuenta mediante la primera premisa del Realismo Existencial.

Estos dos artistas nos ayudan a entender cómo acurrucados ante otro lienzo, manteniendo los oídos atentos en otra plataforma musical ante la presencia del Misterio Divino –con mayúsculas– que está más allá, se sustenta inasible nuestro maravillado, contingente y humilde ser.

José Ernesto PARRA CORTÉS
Doctor en Filosofía, profesor
Taichung, Taiwán
Noviembre de 2024

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Las artes ‘hablan’ de belleza y son capaces de emocionar, incluso el más sencillo trazo, pero es necesario que despierten unos sentidos en el observador. En el caso de la pintura debe predisponer a dejarse interpelar. La belleza está ahí, pero quien la observa debe tener la capacidad de dialogar con ella desde el silencio. Y, si puede, el pintor debe expresar lo que siente.

¿Cómo me interpela a mí? Puedo decir a mi favor que, desde pequeño, mi abuelo, buen aficionado a la pintura, hacía unos magníficos cuadros al estilo de la escuela de Olot, me los hacía mirar con pasión y me contaba las sombras, las luces, la distancia, los valores de los contrastes… Yo, de niño explicaba lo que veía, no sé si sentía las pinceladas, pero a medida que logré una destreza con los pinceles y los colores intenté explicar lo que mi abuelo intentaba hacerme ver.

En la pintura del paisaje cada vez veo más momentos y sensaciones, pero al mismo tiempo abstraigo y limpio elementos de la naturaleza y de su ambiente que me sobran y me entretengo más en dar a conocer la fuerza de la luz y del color. Quizás me han arrebatado los valores del impresionismo que huye de unos planteamientos fotográficos para ofrecer la libertad de plasmar, según cómo, un rojo potente porque siento que me falta, o un azul en vez de un verde o cómo, diríamos a veces, un color y un dibujo estrafalarios como los que ponía Van Gogh. Algunos no lo entienden y otros disfrutamos plenamente de este tipo de absurdo de modificar los colores y las composiciones artísticas.

Curiosamente, la historia del paisaje en la pintura era poco reconocida. En las cuevas prehistóricas encontramos la figura humana, la caza, los animales…, en el románico interesa más la figura religiosa esquemática, pero el paisaje no lo encontramos plenamente si no es adornando escenas humanas o históricas como un añadido de segundo plano. En los grabados monocolores es más frecuente la aparición de paisajes.

Suelo explicar que puede que la naturaleza ‘desde siempre está allí’ y los que viven cerca están cansados ​​de verla. La mentalidad ecológica y la conservación de la naturaleza ha hecho abrir los ojos clamando para que se recupere su belleza. Siempre recordaré una conversación que tuve con un pastor de rebaño de corderos, era un hombre de mediana edad. Estábamos sentados en una roca que él la tenía por un magnífico asiento, y me decía: «no ve que es hermoso este paisaje, mire aquí, más allá…», sentí un susto de emoción. Él vivía la belleza, hacía poesía sin pinceles.

Cierto que la pintura sufrió un fuerte bache emocional al aparecer la cámara fotográfica, pero también sirvió para que con los pinceles nos espabiláramos en decir más cosas a los que tenemos la suerte de ver más allá. Hoy debemos seguir los avances tecnológicos que permiten obtener imágenes digitales, incluso con el apoyo de unas lentes trasladan al espectador dentro de una escena, como puede ser la pintura de un bosque, que hacen impregnarte de las emociones, de forma encantadora.

Es posible que algún paisaje esconda cierta belleza y pueda hacerte caer en desencanto, pero por eso el paisajista pide que se remueven las emociones y se desplacen a un punto o a un centro de la escena que puede ser, incluso, la cepa de un árbol viejo y seco y se pueda sacar partido de una cierta claridad que seguro hará hablar a esta cepa. Quién no recuerda a Joaquim Mir y a Santiago Rusiñol pintando en el torrente de Pareis de Mallorca. Dos personajes con unos caracteres muy especiales, que cuando el sol se ponía con esos colores tan bonitos lo celebraban con cierta locura, daban saltos, cantaban, se revolcaban por el suelo expresando su satisfacción. Desgraciadamente, Mir al caer al suelo se partió la cabeza, que le dejó debilitado para pintar durante una larga temporada. Quiero recordar que yo pintando en ese mismo sitio, sentí una emoción parecida, quizá menos exagerada. También recuerdo otro momento que me conmovió mientras estaba pintando en la Isla de Santorini (Grecia) una tarde cuando se ponía el sol. Me rodearon una muchedumbre de turistas que se sentaron a mi alrededor y cuando la luz del sol bajó aplaudieron largamente y en silencio iban marchando. La naturaleza convoca a entenderla, respetarla y quererla. El pintor se compromete por encima de posibles fines comerciales.

La emoción ante un paisaje puede despertar sentimientos de paz, de serenidad, de alegría…, pero también, a veces, desde esta sensibilidad puede causar enfado con la misma naturaleza y, a menudo, hace sufrir cuando vuelves a ver ese paisaje y lo han cambiado. Seguro que si el pintor ha alcanzado este nivel de emoción al volver a ver el cuadro seguirá mostrando emociones porque ya lo has hecho tuyo, lo llevas dentro. El impacto de todo arte hace que lo lleves en tu cerebro para recordarlo y recrearlo. Lo significativo de la belleza es que es capaz de extasiarte y remover lo más profundo de tu ser. No dudamos de que tu bienestar te lleva al bien existir y verdaderamente este necesita del camino de la belleza para llegar. Por eso, podemos decir que la pintura es belleza y ‘habla’.

Josep M. FORCADA CASANOVAS
Pintor paisajista
Barcelona, España
Octubre de 2024

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