No era verano, puesto que en el pasado 4 de octubre ya habíamos entrado en el otoño, aunque las temperaturas, sí eran de verano.

No fue un sueño porque era muy real, pero aquella tarde tenía la magia de los sueños. Soñar despierto.

Como les digo, el recién pasado 4 de octubre fue la inauguración de curso del Àrea Cultural Oriol en Santa Coloma de Gramenet (Barcelona) y en ella tuvo lugar la inauguración de la exposición pictórica de Assumpció Rodà Cortey, que soy yo. Fue La Fiesta de las Artes en sus diversas expresiones y en el amplio sentido de la palabra. Primero Joe (Josep Lluís Socías), como presidente del Àrea, presentó el lema del curso que no fue otro que ‘Un proyecto gozoso: ser feliz y compartir la felicidad, a pesar de las adversidades’. Sus palabras infundieron ánimo para vivir la vida con júbilo a pesar de los pesares porque la vida merece ser vivida. Sin duda fueron pinceladas magníficas sobre el Arte del Vivir. También infundieron este arte las palabras que nos dirigió Josep Lluís Hernández como presidente de la Asociación Lligams, puesto que la exposición de pintura se hacía con venta solidaria de los cuadros a favor de dicha Asociación para ayudar en su labor altruista que tiene por objeto promover el conocimiento y el mutuo enriquecimiento cultural, económico y social entre los diferentes pueblos, y concretamente con el camerunés. El Arte de vivir, no centrado en uno mismo, sino compartiendo lo mejor que tenemos, la vida.

Solo con mirar las paredes, podíamos admirar la belleza del arte pictórico en los distintos cuadros, tan bien dispuestos y tan bien iluminados que resaltaban lo mejor de mis pinturas y de sus colores. Además, quise que los cuadro vinieran acompañados por poemas de distintos autores o por pensamientos personales. La idea vino de que, mirando concretamente un cuadro, el de ‘chica cuidando rosas’, pensé que, quien lo comprara para tenerlo en su casa, sería bueno que le recordara aquella frase tan nuestra de ‘enjardinar el mundo’, que trascendiera la imagen para recordar que nuestra misión y sentido de la vida, como afirma el astrofísico Hubert Reeves, es precisamente, participar en hacer que la Vida florezca a nuestro alrededor para tener un mundo más humano y sostenible. Redacté un pequeño texto para acompañar el cuadro y de ahí surgió la idea de buscar un poema para cada cuadro. Dicen que una imagen vale más que mil palabras, pero las palabras pueden ayudarnos a entrar y sentir las pinturas y dotarlas de mayor sentido. Arte de la poesía.

Para terminar de redondear la fiesta, Georgina Sebastián Blanch, hizo unas pinceladas musicales con acompañamiento de piano y canto de Jazz que fue una delicia. Arte musical, que puso el broche final dando lustre y alegría a la celebración.

Al terminar, todo el mundo tenía la sensación de haber participado en una experiencia vital y alegre que nos levantó el ánimo y nos hacía tener la sensación de un sueño hecho realidad, porque estábamos bien despiertos.

Fotos: Assumpció Rodà

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora
Barcelona (España)
Noviembre de 2023

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Reseña de la Tertulia Marina de Castarlenas sobre ‘Las tres murallas de Barcelona’, conferencia impartida por Josep M. Forcada

El pasado día 11 de marzo de 2023 tuvo lugar la citada tertulia. Os presentamos un breve resumen de la conferencia.

La función de las murallas es de fortaleza y protección del territorio y procurar que los ciudadanos que viven dentro estén seguros. Pero los ciudadanos de Barcelona nunca lo estuvieron demasiado. Un total de tres cinturones de murallas han rodeado la ciudad desde la antigüedad hasta los tiempos modernos.

1ª muralla

Los romanos comenzaron el primero de estos cinturones en el siglo I d.C. y lo reconstruyeron sucesivamente hasta el siglo IV. Cuando los romanos decidieron fundar la ciudad, el lugar elegido fue el denominado Mons Taber. Era una pequeña elevación cerca del mar, de fácil defensa y con un excelente control sobre el llano que enlaza con la cordillera litoral. Es la parte donde actualmente está la Catedral y la Plaza Sant Jaume.

Catalunya, de siempre, tenía muchas villas, fortalezas, castillos, y núcleos grandes de población. Los íberos la invadieron antes que los romanos, también hubo incursiones de judíos y griegos (Empúries). Hay cuevas y pinturas del año 700 a. C. que nos indican que ya había en estos tiempos civilizaciones en esta zona. Las invasiones siempre le vienen por el norte y traían gente nueva, guerreros que, con luchas encarnizadas, se establecían. Los pueblos y las villas se tenían que proteger. Las sagreras eran zonas que rodeaban los castillos, monasterios, o un núcleo, para que el enemigo no entrara y así proteger los animales y la población. El objetivo de las invasiones, que eran muy crueles, era ganar poder y territorio. Los invasores imponían su cultura y su religión. Cuando los musulmanes entraron lo destruyeron todo, sobre todo las iglesias.

La primera muralla romana de antes de Cristo, fue llamada Julia Augusta/ Favencia/ Paterna/ Barcino/ Laietania. Estaba hecha de rocas y piedras bien colocadas, pero era bastante rudimentaria. Augusto fue un verdadero inventor de las invasiones. Hacía carreteras, traía gente suya. En épocas de paz esplendorosa, tenían poder económico y construyeron carreteras y edificios que aún hoy perduran (Vía Augusta). El Taber tenía una calle, cardus máximus, donde estaba el comercio y lo cruzaba otra transversal que era la parte más noble con el templo de Augusto, las casas de los ricos, los próceres. Cuando se crea la ciudad no hay murallas, estas se incorporan más tarde. Augusto no las vio terminadas. Tenían un sentido defensivo, pero solo para los de dentro, los demás quedaban desprotegidos. En aquel tiempo ya en Sarriá, St. Gervasi, había grupos de casas. Más adelante ya se hicieron villas nuevas mejor arregladas. Y empezaron las protestas por la desprotección. En un momento dado, alrededor del siglo IV y V, reconstruyeron las murallas y como los asaltos eran muy violentos dieron más altura a las murallas. A partir del siglo III se introdujo el cristianismo y, entre los siglos V y VIII, la ciudad formó parte del reino visigodo, pasándose a llamar Barchinona. Tras una breve ocupación musulmana, Barcelona entró en la órbita del Imperio Carolingio. Una situación que duró hasta que se constituyó como condado y se independizó en el siglo X.

2ª muralla

Llamada también de Jaume I. Es la muralla del siglo XIII que amplió mucho la ciudad. En aquel momento el puerto de Barcelona era muy pequeño, el que era realmente importante era el de Badalona, con mucho tráfico. Había diversos torrentes (Torrent de l’Olla…) que abastecían de agua la ciudad. También se excavaron pozos. Había normas específicas sobre la muralla pues la ciudad crecía por todas partes. Había puertas de entrada y horarios. Era famoso el toc de lladres para que no se entrara más tarde de lo aceptado. Las ciudades fortificadas tenían como muy importante la protección del ciudadano y de las autoridades, pues dentro de la muralla vivía el alcalde y los gobernantes, además de la Iglesia, que tenía mucho poder. Después del Imperio romano, el poder, a partir de Constantino, pasa a la Iglesia. Para los romanos el emperador era la divinidad y estaban protegidos por los dioses. Hubo persecuciones de los cristianos y el pueblo tenía miedo y rabia. Era necesario cortar este dinamismo y fueron Constantino y Teodosio quienes protegieron a los cristianos.

La Rambla (en árabe = riachuelo) era una riera que, a temporadas estaba seca y cuando bajaba cargada de agua hacia mucho daño. Por tanto, era como una muralla natural. El perímetro amurallado del siglo XIII se extendía unos cinco kilómetros. Dejaba un frente abierto al mar para no entorpecer el movimiento portuario ni el tráfico marítimo. Delimitaba un área de unas 131 hectáreas y multiplicaba por diez la extensión de la ciudad romana. Las murallas seguían las actuales Ramblas, la Ronda de San Pedro, el actual Arco de Triunfo, el Paseo Lluís Companys y el parque de la Ciutadella. Este trazado englobaba en su interior gran parte de las «villas nuevas». Se trataba de una muralla de ochenta torres, de las cuales 27 correspondían al tramo de la Rambla. Pegados a la muralla crecieron hospitales y asentamientos como el de Sant Llàtzer, el hospital de la Santa Creu, el hospital de leprosos, el convento de Sant Pau del Camp (este último había sido enterrado por Almanzor y fue recuperado). Por la Torre de Canaletas, había una entrada de aguas muy buenas, donde ahora está la plaza de Catalunya. La Rambla dels Estudis se llamaba así porque allí estaba la Universidad del momento “Estudis Generals de Catalunya”. La llevaban los jesuitas que eran muy avanzados. Hicieron muchos inventos, entre ellos el gasoil. Las Atarazanas eran importantes, parece que a los pies de Montjüic había habido un pequeño puerto que se llamaba Barcino, para abastecer los barcos del Mediterráneo. Barcelona se iba ampliando. Collcerola era importante y tenía bastantes núcleos habitados. Surgen muchas huertas en la zona de Poble Sec, de mucha calidad y que abastecen a la ciudad y también arrozales. Los nuevos asentamientos hacen ampliar el perímetro amurallado.

 3ª muralla

Ampliación de la de Jaume I. Se llamará del Raval. Incluye el Raval y todo aquel entramado de callejuelas que lo componen. Es del siglo XIV, comienza en la Torre Canaletas hasta el mar. Se conservan actualmente tres torres en Drassanes. Rodeaba Barcelona por poniente, para englobar instituciones religiosas y hospitalarias que se habían quedado fuera del recinto amurallado. También había varios conventos, carmelitas, franciscanos, trinitarios (el actual Liceo), Sant Josep (que lo trasladaron a Lesseps), santa Caterina… El nuevo recinto amplió el perímetro en más de seis km y acotó una superficie de 218 hectáreas. Los trabajos de construcción duraron casi un siglo, desde mediados del siglo XIV hasta mediados del siglo XV. Esta estructura de ciudad duró mucho tiempo. La ciudad de Barcelona fue una gran ciudad que tenía espíritu fenicio, buenos comerciantes, admiradora del arte, con aprovechamiento de los descubrimientos que se van dando en los centros de cultura, con buena industria (a base de esclavos), todo ello hizo crecer la ciudad. Durante los siguientes siglos, las murallas delimitaron el crecimiento de la ciudad y fijaron el mapa de Barcelona. Pero ya a mediados del siglo XIX el aumento de la población y el consiguiente riesgo para la salubridad hacía aconsejable el derribo de las murallas medievales. Este hecho se produjo en 1854. La densidad de población provocó epidemias y los higienistas, movimiento médico de influencia francesa, consiguieron que el Ayuntamiento derrumbara la muralla medieval. Con sus piedras, que eran de la cantera de Montjüic, hicieron el actual edificio de la Universidad Central. Al destruir dicha muralla, se empieza a dibujar l’Eixample del Pla Cerdà (1859) y la Moderna Ciudad de Barcelona.

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora de Secundaria
Barcelona (España)
Junio de 2023

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El pasado 28 de septiembre se celebró el 65 aniversario de Jaume Aymar Ragolta y nos deleitaron, junto con su amigo Josep Bracons Clapés, y en el magnífico marco de Sant Jeroni de la Murtra, con un debate que buscaba poner en perspectiva el arte y la fe.

El tema habla de dos caminos, de dos vías del conocimiento que se van cruzando. Habla de caminos, de amistad, de belleza, de gozo.

Hay un camino común, de relación, pero también la existencia del arte separado de la fe.

El punto de partida de esta relación es el gran ciclo del arte occidental que comienza con el románico y lleva hasta el presente pasando por el punto de inflexión que es el barroco. Es un ciclo de libertad creadora, con gran capacidad de invención, de gran capacidad de emoción a través del arte y ello es posible porque desde el punto de vista de la fe, en un momento determinado, cuando se ha producido la crisis del mundo clásico y de la antigüedad clásica, el mundo entorno al Mediterráneo ha quedado dividido en tres grandes áreas culturales y religiosas: el islam en el Norte de África, que desconfía de las imágenes y rehúsa su uso. El mundo bizantino que, a partir del Concilio de Nicea, permite incorporar imágenes, pero con una codificación estricta, los iconos. En cambio, el cristianismo romano, adopta una actitud con las imágenes muy rica en matices, que permite la pedagogía de la fe y ello permitirá a los artistas poder desarrollar de una manera más libre su creatividad y potenciará un desarrollo extraordinario del arte.

Los caminos de peregrinación son una vía fundamental para ejercitar el arte y la pedagogía de la fe y es un punto de arranque del tema. Jaume cita a Segarra: «Camí, quina cosa més curta de dir i quina cosa més llarga de seguir».

Cuando los caminos de peregrinación hacen su expansión se empieza a hacer escultura monumental en las portadas de las iglesias. Cuando el peregrino llega a Santiago y ve el pórtico de la Gloria le debe parecer que llega al cielo. Esta escultura monumental era la biblia de los iletrados, algunos no lo entendían, pero sí intuían el misterio.

¿Por qué hoy hay tanta gente que también hace el Camino de Santiago? Porqué es un ámbito de libertad, marcas tu horario, tu ritmo, vas ligero de equipaje. Qué bien que tanta gente haga el camino como experiencia de libertad y ver la libertad creadora de los artistas.

En el contexto de la Ilustración a finales del siglo XVIII, el desarrollo de la sociedad industrial y la cultura burguesa del siglo XIX, hacen que el uso preferente del arte en el ámbito religioso deje de serlo. Aparece una gran devoción por el arte, casi como una religión, el arte por el arte. Esta fe en el arte hace que su escaparate sean los museos. Así como la pedagogía de la fe sitúa el ámbito de creación artística en el entorno eclesiástico, la fe en el arte lo sitúa en los museos. Un modelo claro de este concepto del arte por el arte lo tenemos en Vincent Van Gogh, que vive el arte con pasión casi extrema, como si en ello le fuera la vida. En esta sociedad de fe en el arte, llega un momento en que se preguntan cómo se puede contrapesar fe y arte.

A finales del siglo XIX, ambos caminos se vuelven a cruzar y todos estos cambios se plasman en el Centro Artístico de Sant Lluc en Barcelona, cuya finalidad es contribuir desde el arte en la pedagogía de la fe. Un exponente claro es el pintor Joan Llimona que vive un proceso personal de conversión y quiere reflejarlo en sus cuadros y al buscar como consiliario al obispo Torres i Bages, este le convence de que el trabajo del artista no es hacer apología, ni moral, ni teología, sino plasmar la belleza de la creación. Este obispo supo respetar y potenciar a los artistas y se sentía muy cercano a ellos.

Del Círculo artístico de Sant Lluc salen personajes como Llimona, Torres García (gran apóstol de la abstracción en América del Sur), y Antoni Gaudí. Y dicho centro se convierte en el gran renovador del arte litúrgico en Catalunya, en la primera mitad del siglo XX.

La museología es un tema en debate, ¿cómo hacer que las visitas a museos sea algo más que ver cuadros? Lo importante es que las obras sean polisémicas. Todos tenemos un sentido de belleza y este dialoga con las obras de arte. Debemos fiarnos de la libertad de las personas para ir al encuentro de aquello que dialoga con su sensibilidad.

El arte contemporáneo es interesante porque nos plantea la idea de misterio, es un arte que no es explícito, que habla a través de símbolos, que habla más del vacío que de lo pleno, que habla a través de lo inmaterial: luz, espacio, focos, sombras… Miró, Tàpies, pretenden activar el pensamiento y la reflexión. Sus obras requieren de un entorno para favorecer la reflexión y la contemplación. Cada vez hay más artistas que piensan que la mejor manera de potenciar la percepción de su propio arte es la creación de capillas laicas. El concepto de capilla como espacio de introspección y encuentro con el arte, espacio de contemplación religiosa, o estética, lugar de abertura de la sensibilidad, de abertura del espíritu, de conexión con el mundo, de celebración de la belleza.

Estas capillas contemporáneas son buen ejemplo de los caminos del arte y de la fe y de la fe en el arte que son caminos que se van encontrando y que nos van acompañando y, sobre la base de la libertad, los podemos transitar y disfrutar hoy aquí de manera celebrativa.

En 1999 Juan Pablo II escribe una carta a los artistas diciendo que la Iglesia necesita de los artistas y estos también necesitan de la Iglesia.

Hasta aquí, ambos ponentes, eruditos, profesores y grandes amigos, han recorrido un camino que no tiene fin, pero que es interesante, que se puede ampliar y reprender en cualquier momento. No es un camino cerrado, si no abierto al futuro.

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora
Barcelona (España)
Enero de 2023 

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El pasado sábado 15 de octubre tuvo lugar la inauguración del nuevo curso de la Tertulia artística Marina de Castarlenas con un recital didáctico a cargo del arpista paraguayo Rubén Darío González.

El arpa paraguaya es un instrumento musical de cuerda pulsada, característico del Paraguay, fruto de la confluencia de las culturas musicales europea y guaraní y derivada del arpa angular clásica. Fue introducida durante la colonización española en las misiones jesuíticas guaraníes a finales del siglo XVII, y fueron los religiosos de la Compañía de Jesús, junto con los guaraníes, quienes modificaron el arpa clásica de modo tal que resultara algo más pequeña a fin de ser interpretada por un músico sentado. Está construido íntegramente de madera y generalmente consta de 36 cuerdas, aunque las hay de 32, 38, 40 y 43.

Rubén Darío se inició en la música siendo niño y lleva veinticinco años vinculado al mundo educativo y musical. Estudió piano, lenguaje musical y composición en Estados Unidos durante cuatro años. Ha participado en festivales de folklore en Latinoamérica, así como en la musicalización de documentales.

El recital se inició con la pieza que lleva el nombre de Cascada, del compositor paraguayo Digno García.  Fue un repertorio de contrastes, con una primera parte llena de música popular en tono mayor y de mucha alegría, desde la polca paraguaya y las guaranías, pasando por la Cueca Chilena que fue acompañada por palmas por el público presente, y una composición de Violeta Parra, llamada La jardinera.

La segunda parte estuvo compuesta por baladas y temas de películas: Romeo y Julieta y Autumn leaves, estudios para arpa en Do mayor, samba argentina y bossa-nova: Mañana de carnaval. Fue muy emocionante cuando interpretó El tren lechero, onomatopeya del tren de vapor que en Paraguay funcionó hasta 1994.

Rubén nos comentó que el escudo de Irlanda lleva incorporada un arpa, instrumento nacional de este país. Interpretó la pieza tradicional Danny boy arreglada para arpa. Hubo por parte del público la petición de una pieza de un compositor uruguayo, Roberto Perera. Y aún quedó tiempo para un bolero y la guarania Flores de Asunción, de Ismael Ledesma, compositor paraguayo residente en Francia. Para finalizar el arpista hizo un bis de La jardinera, con participación de todo el público.

Terminamos el acto compartiendo unos dulces y un buen rato de convivencia. Todos los asistentes quedaron muy impresionados por la calidad del recital didáctico y la proximidad del arpista.

Quedó así inaugurado el curso y con buen sabor de boca esperando la próxima tertulia.

Os compartimos una de las piezas paraguayas interpretadas por Rubén Darío González: El pájaro campana.

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora
Barcelona (España)
Noviembre de 2022

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“Me motiva saber encontrar el tono preciso en cada momento”

Entrevista a Assumpció Rodà

Te sientes bien a su lado. Assumpció Rodà es una mujer serena, clara y transparente, pulcra y precisa. Y cuando contemplas sus cuadros (sinfonías de color y de un dinamismo en ocasiones cinetista) todavía comprendes mejor su hondura humana y su dimensión transcendente. Assumpció pinta como quien entona un himno.

– ¿En qué circunstancias empezaste a pintar?

– Cuando me jubilé enseguida vi claramente dos cosas que quería hacer. Una de ellas era empezar a pintar, una actividad que nunca antes había practicado. La otra, ver la salida del sol desde la playa cada día, que me obligó a madrugar y caminar un rato para llegar al mar. Todo ello empezó cuatro años atrás.

– ¿Cuáles han sido tus maestros?

– Durante los dos primeros años asistí a clases de pintura en dos Centros Cívicos donde aprendí distintas técnicas: carboncillo, dibujo, tinta china, pastel, acuarela, acrílico y óleo. Posteriormente me he centrado en la técnica del óleo en uno de esos centros. Gracias a los conocimientos y buenos consejos de las dos profesoras fui aprendiendo y mejorando en este arte de la pintura. También los compañeros de clase, viendo sus trabajos, han supuesto una buena motivación para mí.

– ¿Qué pintores admiras?

– Desde siempre, cuando viajo por distintas ciudades, me gusta visitar museos y galerías de arte y me maravilla ver cómo pintores de todas las épocas y con diversas técnicas y estilos, han sido capaces de reflejar un paisaje, un rostro, una escena de la vida diaria o bien expresar cómo ellos veían o sentían la realidad según su visión o vivencia. Por ejemplo, admiro la forma cómo Sorolla trabaja la luz; los grandes maestros como Renoir y Monet  y también Van Gogh.

– ¿Qué quieres transmitir con tus pinturas?

– Sería muy pretencioso para mí decir que quiero expresar algo. De momento me esfuerzo en aprender e ir mejorando la técnica del óleo y descubrir y aplicar las muchas posibilidades que contiene. Quizás más adelante sea capaz de expresar algo, por el momento puedo decir que pinto porque me resulta una actividad placentera y, de alguna forma, permite sacar la  pequeña o gran parte de arte que todos llevamos dentro. Me motiva especialmente la técnica del color, saber crear el tono preciso que se necesita en cada momento.

– ¿Crees que tu pintura ha ido evolucionando?

– Es una pequeña satisfacción ver cómo en esos cuatro años he ido aprendiendo y mejorando en técnica y estilo. El dibujo es más evolucionado, las pinceladas son más cortas, hay más matización del color y las pinturas van ganando en textura, profundidad, en el tratamiento de la sombra, etc. Intento resaltar en cada cuadro aquello que tiene de específico y esencial.

– ¿Pintar para ti es un hobby, una necesidad vital, un compromiso social…?

– Actualmente es un hobby que se va convirtiendo en necesidad. Cuando llevo unos días que no puedo pintar lo echo de menos y espero con ganas retomar los pinceles y lienzos. Cuando pinto escucho música clásica y estoy tan inmersa en este ambiente que pierdo la noción del tiempo.

Pintar placenteramente, es un atisbo de eternidad. ¡Gracias Assumpció!

Jaume AYMAR RAGOLTA
Historiador del arte
Barcelona (España)
Agosto de 2020

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El arte, en cualquiera de sus múltiples manifestaciones, expresa belleza que nos llega por los sentidos y despierta emociones. Alguna formas de arte ‘permanecen’ en el tiempo como ocurre en la pintura, escultura, arquitectura, y podemos recrearnos largamente en su contemplación. Hay otras formas de arte que lo son ‘solo’ en el momento de su expresión o manifestación, que son fugaces y no permanecen en el tiempo. Tal es el caso de esculturas de arena en la playa, esculturas de hielo, fuegos artificiales, exposiciones florales, un manjar exquisito, etc.

Ikebana es el arte floral japonés. La palabra proviene de ikiru (vivir) y hana (flores y ramas), por lo tanto significa ‘flores vivientes’. Ikebana es el arte japonés de la composición floral de acuerdo con las reglas y principios desarrollados a través de su larga historia. El ikebana es también una filosofía, un camino de autorrealización. Iniciarse en ikebana es embarcarse en un viaje de autoexploración.

El ikebana brota de una respuesta a la belleza e infinita variedad de las formas de las plantas naturales, un reconocimiento de la fuerza, de la delicadeza y de lo efímero de las flores y ramas vivientes que utiliza. Manifiesta un respeto hacia la naturaleza profundamente arraigado en la cultura japonesa, como otras muchas formas de arte japonés, tales como la caligrafía, la ceremonia del té y la poesía haiku. El ikebana es una disciplina basada en una forma de vivir en comunicación con la naturaleza.

La entrada del budismo en Japón en el siglo VI, fue su origen. El primer texto escrito sobre ikebana se remonta a finales del siglo XV. En este siglo, los monjes japoneses utilizaban esta disciplina como técnica de relajación, meditación y deleite. Además de ser una técnica que fomenta la relajación, sube el ánimo porque las flores dan energía.

En el ikebana se utilizan flores cortadas, ramas, hojas, semillas y frutos que, aunque se conservan en agua, tienen los días contados, y por ello es una disciplina efímera. Esa caducidad hace que cada composición sirva para hacer un acto de reflexión sobre el paso del tiempo.

Los arreglos florales japoneses son minimalistas. El punto de partida son las composiciones en escalera. Para conseguir una combinación armoniosa, todas las formaciones tienen que representar un triángulo escaleno Tai-Yo-Fuku: cielo-tierra-hombre, respectivamente, o bien sol-luna-tierra. Además, busca que todos los elementos sigan unas proporciones, con el fin de conseguir una armonía, pero siempre conservando la asimetría. El contenedor también es un elemento clave de la composición y diversos estilos de cerámica pueden ser utilizados en su construcción.

Las flores se clavan en un kenzan (una especie de cepillo de púas de metal que sujeta todas las flores cortadas) que reposa en un recipiente kaki lleno de agua para alargar la vida de cada centro. Una vez terminada la obra, se debe contemplar durante unos minutos para disfrutar de lo que se ha hecho. Pero, como cualquier arte zen, su fin último no es el término de la acción, sino el deleite del camino, del proceso.

El aspecto espiritual de Ikebana se considera muy importante para sus practicantes. El silencio es una necesidad durante las prácticas de ikebana. Es un tiempo para apreciar las cosas en la naturaleza que las personas suelen pasar por alto debido a sus ocupadas vidas. Uno llega a ser más paciente y tolerante hacia las diferencias, no sólo en la naturaleza, sino también en la vida en general. Ikebana puede inspirar a identificar la belleza en todas las formas de arte. Este es también el momento en que uno siente la cercanía con la naturaleza que ofrece la relajación de la mente, del cuerpo y del alma.

El Ikebana se ha extendido y es conocido en todo el mundo como técnica de arreglos florales. No debemos olvidar que más allá de ser una técnica se sostiene en una filosofía de relajación, meditación y deleite.

Pueden deleitarse con música y más imágenes en el siguiente video.

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora de Educación Física
Barcelona (España)
Agosto 2018

Bibliografía
IKEBANA, Un nuevo enfoque de los arreglos florales japoneses
Diana Norman y Michelle Cornell
Blume, 2002

IKEBANA, El arte japonés de la composición floral
Elizabeth Palmer
Acanto SA, 1990

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El argumento narrativo de la película intenta indagar en las incógnitas de los últimos días y la misteriosa muerte del atormentado pintor holandés. Más que hacer una biografía del artista, el interés del film es recrearse en la pintura del genio holandés.

Resulta una cinta cargada de emotividad que nos da una imagen de Van Gogh como un gran creador, un artista tardío de grandísimo talento, incomprendido e ignorado en su tiempo. Basta decir que en vida sólo vendió uno de los 900 cuadros que pintó.

En la obra de Vincent Van Gogh, a menudo, sus pinceladas y los trazos en muchos de sus cuadros denotan movimiento y ello facilita la animación de la película. En ella los escenarios y los protagonistas que aparecen son creíbles porque son extraídos de sus cuadros y de su día a día. Como pintor postimpresionista es uno de los artistas más famosos de todos los tiempos.

Una figura central en su vida fue su hermano menor Theo, marchante de arte en París, quien le prestó apoyo financiero de manera continua y desinteresada. Una carta enviada por Vincent a su hermano Theo es el arranque del argumento de la película.

Van Gogh (1853-1890) fue esencialmente autodidacta. Desde joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Su primer trabajo fue en una galería de arte. El inicio de su carrera lo muestra cercano a la tradición realista holandesa (Los comedores de patatas), en ese momento su paleta se componía principalmente de tonos sombríos y terrosos. Fue a París, preocupado por el problema del color, donde descubre a los impresionistas y neoimpresionistas. La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgió posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia, en Arles en la región de Provenza. Allí descubrió la luminosidad de los amarillos solares y el estallido del azul del cielo y de la noche, consiguiendo así su plenitud como artista.

La calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la historia de la pintura. Influyó grandemente en el arte del siglo XX. Falleció a los 37 años por una herida de bala de pistola; aún no se sabe con seguridad si fue un suicidio o un homicidio involuntario. A pesar de que existe una tendencia general a especular si su enfermedad mental influyó en su pintura, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas bajo un completo control; de hecho, el pintor jamás trabajó en los periodos en los que estaba enfermo.

La luz y el color impregnan toda la película y te deja con ganas de conocer más la obra de este genial pintor. La visión de este film es un regalo para la vista y te sumerge en el mundo del arte pictórico. Vemos como, una vez más, arte y cine se dan la mano en esta espléndida película. Recomendamos a todos los que viajen a Ámsterdam que no dejen de visitar el museo dedicado a este gran artista y se deleiten ante la visión de sus cuadros. Visita obligada.

Ver tráiler de la película Loving Vincent.

Assumpció RODÀ CORTEY
Profesora de Educación Física
Barcelona (España)
Febrero de 2018

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